jueves, 21 de septiembre de 2017

#Quantico T2: Agentes sexys salvando el mundo sin si quiera despeinarse

 La segunda temporada de Quantico continua siguiendo a un grupo de agentes sexys de FBI que tiene que lidiar con un nuevo atentado terrorista con el giro de que los terroristas en realidad son un grupo de agentes sexys rebeldes con los que originalmente se toparon cuando dos agentes sexys del FBI se infiltraron en la "granja" de la sexy CIA para investigar un reclutamiento irregular de un grupo paralelo de agentes rebeldes de la CIA. Confuso, ¿verdad? En realidad Quantico ha tenido la aspiración de ser una especie de Homeland Sexy, pero no lo consigue porque en su aspiración de hacer una conspiración compleja llena de secretos se enreda demasiado y termina por confundir por lo menos en la primera parte de la segunda temporada. 



 Flashforward a Quantico 2B 

La primera parte de la segunda temporada de Quantico se centró en el secuestro de una cumbre mundial a manos del grupo terrorista “The Citizens Libertation Front” mientras que en el pasado se investigaba a una organización de agentes que terminaron conformando “The Citizen Libertation Front”. Se trata de una conspiración dentro de una conspiración donde los enemigos terminan siendo agentes sexys se pasaron al lado oscuro, excepto Ryan porque *razones*. En realidad lo único destacable de esta primera parte es la introducción del carismático y enigmático Harry Doyle (Russell Tovey) y de Owen Hall (Blair Underwood), el instructor y maestro que necesitaba Alex como su contrapeso. Desde su primera temporada, Quantico se quiso caracterizar por su estructura pero tener historias paralelas en el pasado y en el presente solo causaba confusión, así que dejar este estilo a un lado mejoró bastante su narrativa. 

 Harry y Owen

En la segunda parte de la segunda temporada, Quantico tuvo claridad, un orden y enemigos de talla. Esta vez, Alex (Priyanka Chopra), Nimah (Yasmine Al Massri), Ryan (Jake McLaughlin), Shelby (Johanna Braddy) y Owen (Blair Underwood) son parte de un grupo especial de agentes sexys cuyo objetivo especial es enfrentar a los “Collaborators” un grupo de ultranacionalistas conservadores no tan sexys, encabezados por Henry Roarke (Dennis Boutsikaris), que quieren cambiar la Constitución para crear una nueva América. Sin dejar su sexapple de lado, Quantico entró al juego político tratando con los “fake news” en MOCKINGBIRD, la vacancia presidencial en GLOBALREACH, la propuesta de registrar a los musulmane en ODYOKE, entre otros temas que han saltado a la palestra por la “Era Trump”, cuya influencia en la serie es obvia hasta el punto que el último episodio lleva como título RESISTANCE.


 El mejor episodio de la temporada es Mockingbird.

 Pese a la interesante propuesta de la pugna por el poder de una forma diplomática pero jugando sucio, Quantico no dejó la costumbre de dejar de lado personajes y de un momento a otro, Dayana (Pearl Thusi) desapareció, mataron a León (Aaron Diaz), el vínculo complejo de amor y odio entre Harry (Russell Tovey) y Sebastián (David Lim) se quedó inconcluso, Sebastian volvió a aparecer pero nunca se dio una explicación de qué es lo que estaba haciendo y Harry, el mejor nuevo personaje de la serie, después de reintegrarse al grupo se alejó nuevamente tras ser amenazado por Sebastián. Del mismo modo, otro de los clichés de Quantico son los dramas románticos, así que pese a que Ryan y Alex son endgame, Ryan se relacionó con una reportera rusa y Alex y Owen tenían una dinámica coqueta, pero ese intento de juntar a Shelby con otro miembro de la familia Haas más que una repetición de una historia ya conocida se sintió inapropiada. Según el showrunner Josh Safran, la relación de Shelby y Clay estaba moldeada de la relación principal de “The Wayy We Were” solo que en esta oportunidad Shelby se da cuenta que no necesitaba una relación con alguien definiera quien es. 


De todas formas, lo mejor que hizo la serie es que Clay y Shelby no concretaran su relación.  El jefe de casting merece un premio porque los actores que le dan vida a los hermanos Haas son iguales.

Otro clásico de Quantico es que nadie escucha a Alex a pesar de que siempre tiene razón y como siempre, al final, Alex nuevamente salvó al país, expuso a Roarke como la rata que es con un discurso que bien podría ser aplicable a Trump. Entonces, en lugar de enfrentar la vergüenza de una vida tras las rejas, Roarke decide suicidarse, mientras que Alex, que había revelado la actividad de Roarke, finge su muerte y se fuga con Ryan. Pese a su exagerado dramatismo y sus líneas sacadas de películas de acción, una de las cosas más positivas que tiene Quantico es la diversidad en su elenco teniendo como figura principal a Priyanka Chopra cuyo personaje Alex siempre termina siendo la heroína y salvadora de Estados Unidos.

http://elyalovi.tumblr.com/post/161028479700

La segunda parte de la segunda temporada tocó no solo temas políticos actuales, sino que mostró una posición sólida frente a estas problemáticas siempre en la defensa de la libertad y los valores americanos. El último capítulo bien pudo ser la conclusión de la serie; pero sorpresivamente la ABC decidió renovarlos para una tercera temporada. 

domingo, 17 de septiembre de 2017

#Lahorafinal: Un país que no conoce su historia está condenado a repetirla

 La película “La captura del siglo” de los 90’s retrató el trabajo de los agentes del GEIN en la operación Victoria que terminó con la captura del líder del grupo terrorista Sendero Luminoso, Abimael Guzmán. Casi 20 años después, “La hora final” del director Eduardo Mendoza tiene una aproximación más humana que se proyecta en un contexto político en el Perú necesita recordar su historia. 


#TerrorismoNuncaMás 

De un ritmo pausado, “La Hora Final” nos da una vista del trabajo minucioso y paciente de los agentes del GEIN que se pasaban de vigilancia en vigilancia siguiendo personajes claves de Sendero Luminoso y revisaban fotos, videos y documentos para identificarlos. Pese a la tensión de un país desangrándose por los atentados terroristas, la película nos regala momentos amenos como la escena del chifa donde se va la luz y uno de los agentes sigue pidiendo su tallarín saltado o como cuando otro agente bromea narrando como un acento español la escena que está presenciando en la casa de los Sauces. Se trata de momentos tan peruanos y es que una de las cosas que caracteriza al peruano es su optimismo y su picardía, incluso en sus momentos más oscuros, las velas no son la única luz que logra brillar. Estas escenas me evocaron no sé exactamente si un momento que viví o vi en otra producción peruana, había una reunión de amigos, se va la luz producto de un atentado, se prende una vela y la reunión continúa, no es que haya una indiferencia por el atentado, solo que hay un alivio de estar con la gente que quieres y que ellos no se hayan visto lastimados.



Además de Sendero Luminoso, la gente del GEIN tenían varios enemigos en casa; la gente del SIN y el saboteo del gobierno de Alberto Fujimori. El lema del GEIN, “investigar para detener y no detener para investigar”, es la razón que los verdaderos héroes de la historia y es que sin cruzar la línea de la ilegalidad y respetando los derechos humanos lograron su objetivo. Y teniendo en cuenta que la película se basa en hechos reales, en el plano histórico, el GEIN merece un doble crédito por haber logrado la captura de Abimael Guzmán con tan pocos recursos. La intensidad que Pietro Sibille le inyecta a cada uno de sus personajes es la razón por la que es uno de los mejores actores peruanos. Pero en esta oportunidad, siento que se pudo reducir el drama personal de Carlos Zambrano con su ex porque es el clásico cliché de la mujer que no entiende el sacrificio del trabajo de un agente especial, no obstante, entiendo la intensión del director; el hijo de Carlos es la razón por la cual continuar luchando contra esa lacra de Sendero Luminoso. La película termina con la voz del hijo porque el triunfo de la detención del Guzmán no solo significó el inicio del fin del terrorismo, sino también el comienzo de la esperanza de un futuro diferente para el país. 



 La historia más significativa de “La Hora Final” es la Gabriela y la de su hermano terrorista a quien termina arrestando. El conflicto interno del personaje de Nidia Bermejo, su semblante y melancolía es impresionante, es agonizante y es conmovedor. No hay un final feliz para Gabriela, solo el golpe de una cruel realidad, sentir en carne propia el daño ocasionado por el fanatismo de su hermano es suficiente para abrirle los ojos, no puedes salvar a quien no quiere ser salvado.



 Por supuesto, “La Hora Final” está llena de tensión, presión y hasta de suspenso, por momentos, se siente claustrofóbica. El director usa planos cerrados para darnos la sensación de estar en la piel de nuestros protagonistas y así experimentar la ansiedad de cada uno de ellos, especialmente los momentos de asfixia de Zambrano. La recreación de los 90’s es fenomenal, aunque también hay cierta audacia en utilizar lugar que no han cambiado en 25 años. La actuación es de primera, mejor dicho, la actuación del grupo principal es de primera, el que hizo de Abimael Guzmán pudo ser mejor pero su barba falsa distraía demasiado. De hecho, toda la secuencia de la captura pudo tener un impacto mayor del mismo modo en el que el descubrimiento de toda la propaganda senderista cuando intervinieron una de las casas vigiladas, pero porque está pegado a la conclusión de la historia de Gabriela que fue la parte más emocional de la película, quizás por eso, perdió su peso. Respecto a la musicalización, el estilo parece más como una respuesta a “Zorba el Griego” y los momentos que se escuchaba cualquier melodía del arpa dosificaba la tristeza en una atmosfera cargada de energía negativa. Finalmente, hay “easter eggs” o guiños y pequeños datos históricos poco conocidos, como la posibilidad que estudiaba Estados Unidos de una intervención militar al país, hacen de puntos extras a la película. 



Si no me equivoco y por el mismo look, Bernales está basado en Benedicto Jiménez cuya historia real parece seguir el dicho de Batman: “mueres como heroe o vives lo suficiente para convertirte en villano”, pero bueno, esa es otra historia. 

 Personalmente, la que considero la mejor película sobre esta época oscura del país es “La última noticia”, protagonizada por Pietro Sibille, porque es la que retrata de forma más equitativa el terror de ambos lados, de Sendero Luminoso y del estado, que afecta a todo un pueblo olvidado, pero reconozco que “La hora final” llega en el tiempo preciso y tiene una oportunidad de generar una conversación con las nuevas generaciones para que no se dejen engañar por Movadef, fachada de Sendero Luminoso, y otros movimientos radicales. En las redes leo comentarios que dicen que todos los escolares deben ver esta película y concuerdo, pero antes de mostrarla se debería tener una breve clase de historia porque se necesita poner en contexto toda está década sino los niños no van a entender de quién se está hablando cuando se menciona a (Vladimiro) Montesinos o (Ketin) Vidal. Siempre he pensado que la penosa y crítica década de los 90’s merece una serie tipo “Narcos”, pero para quien quiere ver una serie desde una perspectiva más social “Nuestra historia” es un buen punto para comenzar. El mérito de “La hora final” es que llega en un momento correcto, pero no es mejor ni peor que las otras producciones sobre el terrorismo en el Perú, todas aportan una visión importante y necesaria de una historia que el país jamás debe olvidar porque como siempre se dice “un país que no conoce su historia está condenado a repetirla”.

viernes, 15 de septiembre de 2017

#BojackHorseman: You beautiful and broken stupid piece of shit

Una serie animada sobre un caballo depresivo y alcohólico es una de las series más sensibles y humanas en la actualidad. El año pasado, Rolling Stone se preguntó "cómo Bojack Horseman se convirtió en el show más gracioso y triste de la televisión", pero en su cuarta temporada debería preguntarse "cómo es que Bojack Horseman logra dejarnos con una sensación de esperanza, una suerte de todo va a estar bien, después de golpearnos emocionalmente durante 13 episodios". 



Todos somos Bojack Horseman 

No ha habido y creo que no habrá serie que llene tanto de tristeza y alegría como Bojack Horseman. Personalmente, encuentro fácil identificarme con Bojack, es más he sido Bojack en varias oportunidades, no es que sea un caballo, tiene que ver con mis propios defectos. Tengo una conexión con la serie por la forma en la que abraza la imperfección de la humanidad de una manera tan real como sublime. No hay nadie más imperfecto que Bojack, Bojack quiere una validación de que es bueno pero jamás se esfuerza en serlo, busca la felicidad en los lugares equivocados, necesita un propósito y al no encontrarlo, se sumerge en un espiral de autodestrucción arrastrando a quien lo acompañe, no aprecia el amor que tiene a su alrededor, trata a todos como basura y espera el perdón solo porque dice "lo siento" sin sentirlo de verdad. ¿Por qué Bojack es así? Sabemos que Bojack está dañado, pero la serie nunca justifica su mal comportamiento ya que cada vez que Bojack intenta ser una mejor versión de sí mismo encuentra un modo de arruinarlo por sí solo, pero la serie sí explica el por qué, Bojack es producto de una familia disfuncional y también es el daño colateral del trauma de su madre cuya familia sufrió una gran pérdida que la volvió fría y abusiva, pero Bojack también es responsable de sus propios actos y de las malas decisiones que toma estando al tanto que son malas decisiones. 



El poder del “no perdón” 

En la primera temporada, Bojack le pide disculpas a un amigo con cáncer terminal y este amigo no acepta la disculpa. En la tercera temporada, Bojack intenta pedirle disculpas a una directora que perdió su trabajo por su culpa, le escribe una nota pero esta se desvanece. Esto es algo constante con Bojack, se para disculpando hasta con sus mejores amigos, pero nadie lo disculpa. En la cuarta temporada, Bojack ni si quiera considera la posibilidad de perdonar a su madre ahora que está apunto de morir. “No, no te voy a dar un cierre, tienes que vivir con las mierdas que has hecho por el resto de tu vida y tienes que saber que nunca va a estar bien”, esa es la visión de Bojack sobre el no perdón. 



En teoría, el perdón significa sanación, absolución de culpa y digo en teoría porque hay que ser una gran persona para perdonar a alguien. En el caso de Bojack, el “no perdón” es más poderoso que el perdón, porque es una suerte de penitencia. En el transcurso de la serie, el narcisismo de Bojack disfraza su baja autoestima, pero hasta él mismo se da cuenta que no puede salirse con las suyas, entonces, carga sobre sus hombres una mochila que está llena de las mierdas que ha hecho e intenta ser mejor, intenta componerse, lo intenta, aunque no sea suficiente. A todo esto hay que sumarle la ansiedad que sufre nuestro protagonista. En el episodio “Stupid Piece of Shit” vimos la representación más exacta de la ansiedad, con los monólogos internos de Bojack insultándose a sí mismo y embriagándose para no escuchar esa voz diciéndole "pedazo de mierda", es decir, se tortura a sí mismo. Y es que Bojack tampoco se perdona por las cosas que ha hecho y por las cosas que va a hacer. Hay muy pocas series que puede expresar ideas oscuras y catalizar emociones de manera tan realista como lo hace Bojack, de hecho, la única barrera para que lo aleja de ser real es que se trata de una serie animada. 


Pese a que está compuesto con una carga emocional fuerte, cada final de temporada termina con una nota esperanzadoramente melancólica. La historia de la posible paternidad de Bojack no lo hizo madurar, pero sí dejar de aislarse, lo ha hecho intentarlo de nuevo, lo ha hecho despertarse, reaccionar y luchar. Y esta vez, Hollyhock lo ha elegido a él, lo está invitando a seguir en su vida después de que él ha creído que lo ha arruinado todo de nuevo. Esta vez, no hay solo una esperanza, hay la afirmación de que Hollyhock lo está aceptando como es y con esa validación se abre la puerta de que Bojack se acepte a sí mismo, incluso a su propia toxicidad. 


 La temporada más emocional y poética 

Luego de presenciar a morir a Sarah Lynn por sobredosis, Bojack dejó Hollywoo aparentemente para buscarse y no encontrarse de nuevo. Sin embargo, si algo ha caracterizado esta entrega es su alta cuota emocional y poética mezclando historias superficiales y con historias con capas. Los mejores episodios de la cuarta temporada de Bojack Horseman, “The Old Sugarman Place”, “Stupid Piece of Shit”, “Underground” y “Time’s Arrow” no son los más graciosos, son los más más conmovedores, son los te romperán el corazón, y también son los que abordan de temas complejos. En The Old Sugarman Place vemos de nuevo el patrón de autodestrucción de Bojack, si la ansiedad fuera un capitulo ese sería Stupid Piece of Shit, Underground habla sobre la desesperación en un escenario adverso y Time’s Arrow retrata el proceso de demencia de Beatrice, la madre de Bojack. 

 The Old Sugarman Place





Stupid piece of shit

 
Underground

 Time's Arrow

Bojack conjuga la trivialidad con la profundidad y es ingeniosa al utilizar su humor para hacer una crítica ácida de diversos temas, pero la gracia no nace de los insultos, nace de lo absurdo que son ciertos escenarios. Esta cuarta entrega ironizó sobre la trivialización de las campañas políticas con la campaña de Mr. Peanutbutter como candidato a gobernador, también abordó la hipocresía y la misógina del congreso y sus políticas sobre el control de armas y es que pese a que se registran tiroteos en el país, el congreso solo actúa cuando estos tiroteos son ejecutados por mujeres. Hemos visto como el sexismo y la ignorancia hizo que el padre de Beatrice ordenara que loboticen a su esposa porque no sabía como lidiar con la pérdida de su hijo y el mismo sexismo impidió que Beatrice pudiera tener una carrera. Del mismo modo, Judah y Ralph Stitton subestimaron a Pricess Caroline tanto en su trabajo profesional como en vida personal. Y por su lado, Todd admitió su asexualidad y la serie nunca se burló de su orientación sexual de una forma denigrante. Ya mencione la pesada historia de la familia de Bojack y la propia depresión de Bojack. La serie es fuerte hasta cruel, pero nunca llega a ser ofensivo, es más es significativo y se siente real pese a que es una serie animada sobre un caballo. 


martes, 12 de septiembre de 2017

#Doble: Si amas a alguien, no alteres el pasado

 En medio de una crisis matrimonial y debido a un “fenómeno” que involucra una estrella fugaz, Fede (Salvador del Solar) tiene un chance de reencontrarse con la versión joven de su actual esposa Mariana (Majida Issa). Pese a la extraña premisa, la película “Doble”, dirigida por Felipe Martinez, es simple, pero sobre todo entretenida (si no esperas mucho) gracias a su combinación de comedia romántica con ciencia ficción, sin embargo, lo que la hace memorable para mí es su final. 



“Si amas a alguien déjalo ser feliz” 

El titulo “Doble” es explicado en una de las escenas donde el mejor amigo de Fede, Lorenzo, interpretado por Christian Meier, le pregunta a Fede si es que se va a quedar con la “original” o con la “doble”. Para Lorenzo, la original es Mariana actual y la “doble” es la versión joven de Mariana pero en realidad Mariana joven no es una doble de Mariana en la actualidad ni viceversa, solo son versiones diferentes. Personalmente, creo que el titulo hace alusión a una doble oportunidad. Pese a que hay amor entre Fede y Mariana, después de 20 años obviamente ha cambiado, ya no son los mismos, han madurado y ambos en cierta forma se han conformado y han dejado sus sueños a un lado. Entonces, cuando Fede se encuentra con la versión joven de Mariana, se entusiasma de nuevo. Se ha enamorado dos veces de la misma mujer, solo que esta vez ya sabe lo que tiene que hacer para que ella sea lo que él quiere que sea. Ese es el principal conflicto, Fede intenta moldear a Mariana porque cree que así será feliz, no obstante, Fede ha tenido una doble oportunidad de estar con las dos Marianas y aparentemente es feliz pero también está agotado. 

 Fede y Mariana se conocieron cuando eran jóvenes en una época donde ser jóvenes era sinónimo de ser punks

Al final Fede no se queda con Mariana porque después de actuar de una forma completamente egoísta e incoherente, hace lo correcto y al impulsarla a aceptar una beca de fotografía a Nueva York jamás llega a estar con Fede. Como una clásica película romántica, Fede aprende su lección y prioriza la felicidad de Mariana antes que la suya. La deja ir. La deja ser feliz. Y en la nueva línea del tiempo, la nueva versión de Mariana se fue a vivir a Nueva York y ahora es una fotógrafa reconocida, y le manda un video a Fede donde le agradece ese empujón que le dio, porque ella tenía el talento pero tenía miedo y necesitaba que alguien la impulsara a seguir sus sueños y al hacerlo se le abrieron las puertas a una vida mucho más feliz tanto en el plano profesional como en el plano familiar como madre de dos hijas. 

 
Lorenzo, la verdadera víctima de Fede

 Los momentos más graciosos son las escenas de Salvador del Solar con Christian Meier que a su vez sirven como una explicación de lo que está sucediendo. A Christian Meier le sale a la perfección hacer del tipo arrogante cuya carisma minimiza sus excentricidades y defectos, hay que admitir que la película es machista, todo gira al rededor de lo que quiere Fede y el propio Lorenzo quien está obsesionado con su ex de la universidad, la busca en cada mujer que conoce y sabotea sus propias relaciones porque no la encuentra, pero más adelante nos damos cuenta que más que la propia mujer es la idea de ella. En la línea original del tiempo, Lorenzo era soltero, mujeriego, conservaba un espectacular cuerpo y dentro de todo era feliz, pero cuando Fede altera la línea del tiempo, Lorenzo se casa con esa mujer que tanto estaba obsesionado porque la embarazó, tiene hijos pero es miserable y gordo. Entonces, Lorenzo se convierte en la verdadera víctima de toda la película. Así es, Del Solar le jode la vida a Christian Meier. No obstante, veamos el lado profundo, lo de Lorenzo deja la pregunta al aire, ¿qué es mejor una falsa ilusión de lo que pudo haber sido o una realidad dónde estás con esa persona pero eres infeliz porque no es lo que esperabas? ... No sé cuál es la respuesta correcta, lo que sí sé es que la batalla de las expectativas versus la realidad es algo muy común, demasiado común.

 
En conclusión, me gustó el sentimiento que logra evocar “Doble” o que nacen de analizar la premisa, a la ejecución le falta bastante. No es una mala película, pero tampoco es una buena, igual me gustó que sea una propuesta diferente, me gustó sus toques de comedia meta, me gustó que no se complicaran con eso de “viajar” en el tiempo, me gustó Salvador del Solar aunque no le sentí mucha química con Majida Issa, me gustó Christian Meier (y creo que debió tener un mejor final), me gustó que Del Solar y Meier sean quienes sostengan la película con su bizarra amistad, me gustó cayera en ciertos clichés y evitara otros, pero sobre todo me gustó el final que se aleja del "juntos y felices para siempre".



Pensamientos al aire: 
-Lo del edificio al que uno entra y está en el pasado me recordó a "Parallels", aunque el edificio en "Parallels" sirve para hacer viajes entre mundos paralelos.
-Si no te sale el acento colombiano porque eres peruano, haz que el personaje sea peruano, no hay otra porque a ninguno de los dos les sale el acento colombiano.
-¿Se puede considerar engaño o infidelidad si es que te acuestas con una versión más joven de tu esposa?
-Sinceramente pienso que en vez de aceptar que la despidan, Mariana debió denunciar a su jefe por acoso sexual.
-Lorenzo deja a su esposa por la insoportable mejor amiga de Mariana. Este tío merecía algo mejor. Fede lo jodió en todo.

sábado, 9 de septiembre de 2017

#Narcos T3: Bienvenido a Calí

Si Homeland pudo sobrevivir sin Brody, por supuesto que Narcos pude sobrevivir sin Pablo Escobar. ¿Por qué? Porque que la verdad es que el protagonista de Narcos no es Pablo Escobar, es el narcotráfico. En su tercera temporada, Narcos es una suerte de reboot sobre sí mismo, continúa siendo sangrienta y operando en una zona muy gris donde los héroes son antihéroes y donde los enemigos tienen enemigos pero esos enemigos no son tus amigos. Ahora, Javier Peña (Pedro Pascal) está encargado de atrapar al cartel de Calí y también carga sobre sus hombros la serie. 




Para matar al monstruo, a veces tienes que acostarte con otros monstruos

Narcos conserva su misma estructura pero esta vez, como lo advierten los monólogos de Peña, que son más breves y menos descriptivos que los de Murphy, tiene como antagonistas al cartel ce Calí, una organización que funciona como una corporación mafiosa secreta. En ese sentido, los nuevos némesis de Peña no serán tan carismáticos ni populares como Pablo Escobar, pero son mucho más pragmáticos. Entonces, "el juego del ratón y gato" que vimos las dos primeras temporadas ahora es una persecución estratégica a una escala mayor. 



El plan original de la cabeza del cartel, Gilbert Rodríguez (Damián Alcáza), era legalizar su negocio mediante un trato con el gobierno. Sin querer este plan desata una crisis interna en el cartel ya cada uno de los miembros tiene intereses propios y dudan que los planes de Gilbert se puedan hacer realidad y además, otros carteles desean ocupar el lugar del cartel de Calí a la mala. En paralelo, Peña hacía un trabajo de hormiga para desmantelar un cartel que tenía un trabajo de vigilancia y de inteligencia que bien podría ser la envidia de la propia CIA. Pero Peña no solo tenía como némesis al propio cartel sino también a políticos y policías corruptos. 



Con Peña como figura principal, la tercera temporada ha tenido un ritmo más rápido, pero con una aproximación más fría, una mirada mucho más calculadora y táctica del trabajo de la DEA y de las alianzas no siempre correctas que ha hecho para cumplir con su objetivo. De ese modo, la historia del cartel de Calí comenzó y terminó en una sola temporada. Y es que el protagonista de Narcos no es una persona, es el narcotráfico y si bien la comercialización de drogas no nació con Pablo Escobar, sí desató una guerra en Colombia que cambió su historia, pero ciertamente la guerra con el narcotráfico no acaba con el cartel de Calí ni tampoco en Colombia. Según el teaser final, todo parece indicar que de ser renovado (que es lo más probable), el próximo destino es México.

https://narcosedits.tumblr.com/post/165021740220/first-and-last-appearance-the-gentlemen-of-cali

 Una de las cosas más impactantes de Narcos es que se basan en hechos reales… han cambiado eventos para insertarle más dramatismo o más acción, pero de todas formas, sigue siendo increíble que en muchos casos, la ficción no superara la realidad. 

miércoles, 6 de septiembre de 2017

#BabyDriver: Un musical de acción

Si hay algo que distingue a Baby Driver de Edgar Wright es su estilo propio; la narrativa de la película lleva el ritmo (literal) de su fenomenal soundtrack. Se trata de una de esas producciones que no depende de su argumento sino que se vale de su creatividad para presentar una particular visión que lo hace único, original y especial. De modo que el plantear una historia sencilla desde la perspectiva de Baby, un chico que depende de la música para menguar su condición, transforma esa historia sencilla en un musical de acción. 


*Enciende su Ipod y arranca su auto*

 Desde su primera escena, Baby Driver presenta su tono y su estilo, mientras los demás están asaltando un banco, Baby se queda en el auto divirtiéndose con la canción ideal ha escogido para la persecución después del robo. La importancia de este estilo no solo reside en la buena música, meticulosamente seleccionada para calzar con las secuencias de acción, sino en el sonido en general y en una edición que nos pone en el lugar de Baby, estamos escuchando lo que Baby está escuchando y cuando le quitan uno de los audífonos, podemos escuchar ese zumbido molestoso razón por la cual Baby siempre está escuchando su Ipod.




http://bob-belcher.tumblr.com/post/163699194236/baby-driver-2017-dir-edgar-wright

 Ansel Elgort es el perfecto protagonista para Baby Driver ya que conjuga una inocencia tierna con un lado salvaje e inquieto. Baby es el chico del corazón de oro que es amoroso y protector de su padrastro Joe y de su novia Debora y que por causalidades del destino se ha visto involucrado con Doc (Kevin Spacey) cuyo negocio es organizar robos. No se trata de una historia extraordinaria pero sí bastante sorpresiva con unos giros impredecibles como el hecho que el villano no sea Bats (Jaime Foxx) ni el propio Doc sino un impecable y aterrador Buddy (Jon Hamm). Doc incluso ayuda a Baby y a Debora a escaparse porque "una vez estuvo enamorado", bueno, la verdad es que Doc y Baby fueron un equipo y como tal funcionaron bien en sus trabajos previos hasta que Baby quiso salirse de esa vida.



 Este año, La La Land ya había comprobado que una historia romántica, y ante todo simple, puede destacar y resaltar gracias a la música y ahora Baby Driver ha hecho lo propio pero esta vez en el género de acción. Esta película está compuesta de tal manera que cada secuencia parezca un videoclip musical de acción y aunque técnicamente, no se puede considerar un musical, digamos que se le debería colocar ese título ya que es la música la que construye la película.



You gor the music in you! 

 ¿Recuerdan que el trailer del Suicide Squad nos vendió la idea de que se trataba una buena película? ¿Qué es lo que hizo a ese trailer uno de los mejores trailers en la historia? Su composición. El modo en que Bohemian Rhapsody de Queen encajaba perfectamente con la historia y el solo de guitarra resaltaba la acción. La composición del trailer creó expectativas y si algo bueno podemos sacar de ese trailer es que aunque no sea de Baby Driver, toda esa honda cool Wright logra trasladarlo a su propia película. Este es el estilo que debió tener la película y no solo el trailer de Suicide Squad para funcionar.



Si bien es cierto, el tráiler de Baby Driver es bueno, no le hace justicia a la película. 

Se ha puesto de moda musicalizar los tráiler con canciones conocidas, por ejemplo, Atomic Blonde se beneficia de Killer Queen, Kingsman The Golden Circle hace lo propio con My Way e incluso Immigrant song de hace del tráiler psicodélico de Thor Ragnarok uno de los más creativos desde Guardianes de la Galaxia. En todos estos trailers la clave siempre está en la edición al ritmo de las canciones elegidas.







 Las películas "Guardianes de la Galaxia volumen 2" y "Baby Driver" tienen los mejores soundtracks del año y coincidentemente, ambos incorporan la música a sus historias. El director de "Guardianes de la Galaxia", James Gunn, ha explicado que el uso de las canciones es para evocar y fortalecer los sentimientos en escenas claves, mientras que por su lado, Edgar Wright tiene la manía colocar videoclips de acción en sus películas, aunque esta vez con “Baby Driver” la música está al mismo nivel es la base de la historia. Sin embargo, el crédito o la rebeldía de Wright es que escribió un guión alrededor de las canciones perfectas para una persecución a escala pese al consejo de Quentin Tarantino de que no lo haga porque había un chance de que no pudiera conseguir los permisos para usar las canciones que quería. Lo interesante del proceso de Wright es que también desafía el orden de la producción puesto que originalmente, se graba una película y después se musicaliza. Wright y Gunn son dos directores que le agregan un plus a sus películas mediante el uso inteligente y creativo de canciones en sus historias.



 Recientemente, un artículo de Inverse reunió 20 escenas que intentan emular el encantador intro de Guardianes Volumen 2, sin embargo, estos videos nos ayudan entender por qué este estilo no funcionaría en todas las películas. En el intro de Guardianes se sienta el tono de la película, Groot bailar al ritmo de Mr. Blue Sky mientras se desarrolla una batalla a su alrededor, es tierno, gracioso y caótico... como la película. Del mismo modo, Wright escogió canciones rítmicas cuyos golpes y solos son perfectos para la acción. Así que no se trata solo de colocar una buena canción en una escena, se trata de generar una composición audiovisual memorable. Pero ya está de moda utilizar canciones populares pese a que el contexto no lo requiere. Veamos por ejemplo, la película Death Note de Netflix, no hay una explicación lógica para utilizar música de los 80's puesto que la película es (suponemos) no se desarrolla en ese tiempo, no obstante, ponen ese tipo de canciones porque es la moda porque se quiere ese estilo de un musical de acción sin necesariamente construirlo primero.

sábado, 2 de septiembre de 2017

*Escribe a Netflix en su #DeathNote*

 Después de ver la película Death Note en Netflix... lo único que se me viene a la mente fue que no fue tan mala, pero no por falta de esfuerzo. Dejando a un lado, la controversia por el whitewashing y la lluvia de críticas, lo que el film carece es alma y sentido común. De modo que si no has visto el anime vas encontrar una película que aunque entretenida (por momentos) evidencia muchas incoherencias, sin embargo, cuando le has dado un chance al anime, entonces, en la comparación, la película pierde y hasta ofende.



 ¿Cuál es el problema con Death Note?

 La película Death Note dirigida por Adam Wingard tiene aspectos positivos como Ryuk, claro que solo me refiero a la voz de Williem Dafoe. Asimismo, el tono sombrío de la fotografía crea la atmósfera apropiada para la temática, pero es el abuso del gore lo que hace risible las muertes en las secuencias que deberían ser impactantes. No obstante, el principal problema del film es su guión flojo combinado con un ritmo rápido lleno de deus ex machina. Un "Deus ex machina" es cuando un personaje resuelve un problema crítico de una manera inesperada no ingeniosa a conveniencia de que el trama avance. El "Deus ex machina" es un recurso muy utilizados en películas de acción, sobre todo americanas, donde el héroe de ve encerrado con una bomba pero milagrosamente tiene una forma de desactivarla al último minuto. 



Lo cierto Death Note tiene una premisa interesante que se ve desperdiciada. Tienes un cuaderno donde puedes escribir el nombre de una persona y cómo quieres que muera y esta persona morirá. Este cuaderno cae en las manos de Light Turner (Nat Wolff). Desde el primer momento, Death Note se empeña en que sintamos pena por el protagonista solo porque es el protagonista, no nos explica nada más y espera que seamos Team Light solo porque es nuestro antihéroe, pero Light es alguien demasiado apático, demasiado "emo", demasiado dramático y demasiado cliché, hasta el punto que incluso su propia historia (una madre asesinada y el ser víctima de buylling) no nos causa ni una más mínima empatía o simpatía. Light junto a su novia Mia (Margaret Qualley) utilizan el cuaderno para matar a los "malos" del mundo. Tampoco sabemos por qué Mia es así. Me gustaría pensar en Mía como la versión más oscura del personaje de Qualley de The Leftovers, una niña insatisfecha y autodestructiva que se conecta con Light solo porque ambos tienen el retorcido gusto de "matar" bajo el pretexto de hacer un mundo mejor, pero ese es mi cerebro tratando de llenar los vacíos de la historia, la verdad es que los motivos de todos en las película nunca están claros. Quizás Mía solo es una sádica a la que le gusta ver morir a la gente y Light solo es un idiota que le reveló la función del cuaderno a Mía para tener con quien acostarse... 


Creo que si puedo rescatar algo más de la película es "L"(Lakeith Stanfield), el antagonista que bien podría ser el protagonista porque es más interesante y practica una filosofía propia, no sigue las reglas convencionales pero sigue sus reglas... al menos hasta que Light secuestra a su asistente, entonces, del calculador frío no queda de la sombra y las emociones nublan su lógica. Death Note nunca profundiza en la mitología del cuaderno de la muerte y hace un uso descomunal del deus ex machin; "L" sabe que es Light es Kira solo porque sí, "L" sabe que además de necesitar el rostro de la persona también necesita el nombre solo porque sí (pero convenientemente no sabe que se trata de un cuaderno), las reglas del cuaderno de la muerte cambian y tienen tecnicismos porque solo porque sí... es decir, todo se acomoda a la perfección para que al final Light se salga con las suyas porque resulta que todas las acciones, incluso revelarle a "L" estúpidamente que una hoja del cuaderno de la muerte está en su libro de cálculo, es parte de su plan. Sí, todo era el gran plan maestro de Light, todo, incluso matar a su novia (¿?)… Pese a que desde que nos presentaron a Ligh nada indica que se trata de un tipo brillante. De modo que hasta el momento climax es un deus ex machina, es una solución fácil que le resta coherencia a la película en general. 



¿Es tan difícil hacer una adaptación correcta? 

 La palabra clave aquí es una adaptación y al ser una adaptación no necesariamente tiene ser completamente fiel al material, pero tampoco no vas a destrozar la esencia del anime. Quizás el problema es que un capítulo de Death Note son 30 minutos de drama puro a modo de monólogos mentales desde la perspectiva de personajes con un compás moral marcado y con propósitos claros. En ese sentido, la acción es una consecuencia de un análisis interno y externo. El enfrentamiento de Light y "L" es de dos genios jugando una partida de ajedrez diferencia de… bueno, la película. La serie plantea preguntas profundas sobre lo bueno, lo malo, la justicia y la muerte pero nunca nos da respuestas, siempre las deja en el aire. Trasladar estas ideas complejas a una película no es imposible, y sin embargo, la película de Death Note toca la superficie de estas ideas y altera las características que definen a los personajes principales.  No solo se trata del tempo y de la aproximación, quuizás mayor suerte si se hubiera tratado de una serie de 8 capítulos de 45 minutos cada uno, por lo menos, hubiera tenido un chance de desarrollar a los personajes y la propia historia.  WatchMojo ha hecho una lista de los cambios que ha realizado la película del anime lo que explica por qué la gran mayoría escribiría el nombre de Netflix si existiera de verdad el cuaderno de la muerte.