viernes, 20 de octubre de 2017

#TheAffair T3: ¿Terribles personas tomando terribles decisiones?

En la series existe algo denominado “character development”, un cambio en la dinámica de cualquier personaje, una suerte de evolución que por lo general es positiva, pero por la particular composición de “The Affair” parece que estamos viendo lo opuesto, parece que es la "involución" de los personajes con el propósito de explorar ese lado oscuro de la naturaleza humana. ¿Por qué siempre tropezamos con la misma piedra? ¿Es posible romper el ciclo de la dependencia emocional? ¿Qué es más importante ser egoísta pero feliz o ser correcto pero infeliz? Pero así como la serie plantea estas preguntas, me descubro a mí misma preguntándome si de verdad la serie es tan profunda o si solo estoy viendo terribles personas tomando terribles decisiones una y otra vez.



"The Affair" divide sus capítulos en dos perspectivas; perspectiva del personaje A y perspectiva del personaje B, esa es su particularidad. Es su sello. Es lo que lo distingue de los demás. Y el juego de la perspectiva es interesante porque nos pone en el lugar de cada uno de nuestros protagonistas y eso significa verlos como ellos mismos se ven y cómo ven el mundo pero sobre cómo sienten aunque no lo expresen. En ese sentido, nosotros somos testigos que el cuarteto principal de la serie son como la kriptonita de ellos mismos; Noah (Dominic West) es simplemente tóxico, es el veneno favorito para Helen (Maura Tierney) y el error necesario para Allison (Ruth Wilson), mientras que Allison es la espada de damocles de Cole (Joshua Jackson). 


 En lugar de The Affair la serie debió llamarse "Amigo(a) date cuenta". 

El momento que más me ha gustado de la tercera temporada es la conversación de Allison y Helen, primero porque las actrices Ruth Wilson y Maura Tierney son fantásticas y segundo, porque se trata de un encuentro entre la mujer que rompió un matrimonio y la víctima de la aventura. Desde la perspectiva de Allison, ella es un desastre mientras que Helen es fina, hermosa y confiada, y desde la perspectiva de Helen, es al revés, ella es insegura y pese a sus tragedias, Allison controla sobre su vida y sus acciones. Como un reflejo de su propia narrativa, ambas tienen una versión diferente de quién es Noah. Es un momento significativo ya que Helen descubre la verdad de la muerte de Scotty. El saber que ella no es responsable del accidente que llevó a la cárcel a Noah es un alivio y también una decepción porque todo este tiempo Noah estaba protegiendo a Allison y no a ella como erróneamente había pensado. 


 Con suerte, Helen superará la obsesión por Noah y apreciará lo que tiene. 

 La historia más interesante ha estado centrado en un parco y atribulado Cole quien ahora está en la posición de Noah. Tras superar el abandono y engaño de Allison, Cole sentó cabeza pero con el regreso de Allison, vuelven esos sentimientos y una noche volvió a acostarse con ella. Pero Cole no es Noah, no está dispuesto a dañar a su esposa ni tampoco a tener una aventura no porque no quiera a Allison. Entonces, toma una decisión que en papel es “lo correcto” pero en lo llevará a un camino de miseria y resentimiento. 

Pobre Pacey 

 Asimismo, hemos visto a Noah y Helen tocar fondo, no los hemos visto levantarse, pero sí los encontramos recompuestos en el último capítulo y Allison ha tenido toda una temporada en la que la estabilidad ha intentado primar en sus decisiones. *Palabra clave “intentado”.*


Brendan Fraser ha estado espeluznante como el “Mr. Robot” de Noah 

La aventura que da título a la serie terminó en un matrimonio que a su vez terminó en un nuevo divorcio, pero la serie se aprovechó de la infidelidad para hablarnos del duelo, de las crisis existenciales, de la monotonía y de la depresión y del masoquismo producto de la codependencia emocional. En The Affair, la desagradable "involución" del cuarteto principal nos muestra la complejidad humana desde su lado más personalista en donde el fin no es la felicidad ni el amor sino la comodidad propia a expensas incluso de la cordura.

jueves, 5 de octubre de 2017

Celebrity Deathmatch: #AgentsofHydra (#AgentsOfShield T4) > #Flashpoint (#TheFlash)

Para su mala suerte, Agents of Shield siempre ha vivido bajo las sombras del universo cinematográfico y televisivo de Marvel. Esta serie opera en una zona gris donde reconoce los grandes eventos de las películas a la vez que cuenta sus historias propias que no afectan el gran universo al que pertenece. Pese a que se trata de una de las primeras series de Marvel, Agents of Shield parece siempre estar relegada e incluso ignorada por todo el UCM. Lo cierto es que la serie comenzó floja, fue rescatada por el Capitán América, tuvo su pico en su segunda temporada y con su arco de Inhumanos volvió a decaer en calidad. Agents of Shield no puede darse el lujo de ser totalmente oscuro como sus contra partes en Netflix ni tampoco puede independizarse por completo de las películas, pero finalmente parece que encontró el balance perfecto porque la cuarta temporada de Shield es asombrosa. 




 ¿Cómo es que Agents of Shield hizo su propia versión de Flashpoint mejor que en The Flash? 

 Ya he escrito sobre la decepcionante tercera temporada de The Flash. Se suponía que iba a adaptar el icónico “Flashpoint”, pero solo tuvimos un episodio en esa línea de tiempo. Bueno, en realidad, este solo fue uno de los muchos problemas de la tercera entrega de The Flash. De todas formas, es una coincidencia grata que paralelamente, Agents of Shield desarrolló su propia versión de “Flashpoint” y es que tuvimos varios episodios en una realidad (virtual) alternativa donde Hydra domina el mundo. Agents of Shield arrancó con buen pie su cuarta temporada con la aparición de Gosht Rider / Robbie Reyes (Gabriel Luna) que introdujo el misticismo mágico en busca de un libro denominado Darkhold. Como siempre, Shield no se aleja mucho de las películas pues el estreno de la temporada coincidió con la premier de Doctor Strange. Volviendo a la serie, el libro cae en las manos de una inteligencia artificial llamada Aida (Mallory Jansen), creada por Radcliffe (John Hannah) y Fitz (Ian de Caestecker), y justamente es Aida quien crea un mundo inverso virtual conocido como la Infraestructura o más o menos el Flashpoint de Shield. 



En esta realidad alternativa virtual, la mayoría de los personajes son completamente diferentes comparados a la realidad normal, excepto por Skye/Daisy (Chloe Bennet) y Jemma (Elizabeth Henstridge), quienes están coincidentes de su propia realidad, e ingresan a la infraestructura para rescatar a los demás. Lo interesante de la propuesta de Agents of Hydra es que no solo trajo de vuelta ciertas caras conocidas y personajes muertos y queridos como Ward (Brett Dalton) y Trip (B.J. Britt), sino que tuvo consecuencias mucho más profundas y psicológicas. No solo se trató del mundo al revés, se trato de una nueva vida donde los lamentos de ciertas acciones jamás sucedieron. Por ejemplo, Melinda May (Ming-Na Wen) logró rescatar a esa niña inhumana pero posteriormente esa niña provocó la muerte de muchas personas. Esto produjo que May cargue sobre sus hombros es su culpa y sea leal a Hydra. Fitz que nunca tuvo una buena relación con su padre, pero en este nuevo mundo, el papá de Fitz es su mano derecha y juntos son parte de la cabeza estratégica de Hydra. Mientras que por su parte Mac (Henry Simmons) logró tener una vida con su hija quien en la realidad normal está muerta. De hecho, Mac decide no regresar al mundo real porque eso implicaría perder a su hija de nuevo. 


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Al retornar al mundo normal, estas memorias de esa realidad alternativa no se desvanecieron y aunque se entiende que estaban en una realidad virtual, la vergüenza de Fitz es tangible. Y estamos hablando de Fitz, el tipo más tierno de Shield, el que cruzó el universo por Jemma, era un desalmado maldito y sus manos están llenas de sangre. El grupo habrá perdonado a Fitz pero es muy difícil que el mismo se perdone a sí mismo.

Evil Fitz

Ward y Trip


 Mientras que en teoría el Flashpoint de The Flash es la matriz de todo el arco de la tercera temporada, en la practica solo tuvimos un episodio el único que tuvo un cambio abismal fue Cisco porque era millonario y nada más. Para colmo, cuando Barry regresa a su nueva línea de tiempo que está alterada, las relaciones que están rotas, como la de Iris con Joe y Barry con Cisco, se arreglan en un par de episodios. Si bien es cierto, Flash no necesitaba pasar toda su temporada en Flashpoint no quiere decir que solo tenía que haber solo un episodio porque ni si quiera supo aprovechar ese episodio. Flashpoint era la oportunidad de tomarse su tiempo para desarrollar toda una nueva realidad alternativa, de jugar con la psiquis de los personajes, de traer de vuelta a personajes queridos como Eddie y Ronnie, de inyectar drama y avanzar la historia alternando la normalidad del grupo colocándoles obstáculos para una recomposición futura y eso es exactamente lo que hizo Agents of Shield. La realidad alternativa virtual de Agents of Hydra presentó varios dramas personales en un arco global pero también supo hacer uso de sus antiguas temporadas. Tal vez Agents of Shield no pueda estar a la talla de Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage y The Defenders, principalmente porque la ABC no se lo permite, pero ciertamente superó a The Flash haciendo un uso más inteligente de una idea tan rica como es Flashpoint.

También puedes ver y leer:
-¿Por qué el MCU ignora a #Agents of Shield?
-La vez que el Capitán América salvó Shield.
-Celebrity Deathmatch: #Arrow vs. #AgentsofShield

jueves, 21 de septiembre de 2017

#Quantico T2: Agentes sexys salvando el mundo sin si quiera despeinarse

 La segunda temporada de Quantico continua siguiendo a un grupo de agentes sexys de FBI que tiene que lidiar con un nuevo atentado terrorista con el giro de que los terroristas en realidad son un grupo de agentes sexys rebeldes con los que originalmente se toparon cuando dos agentes sexys del FBI se infiltraron en la "granja" de la sexy CIA para investigar un reclutamiento irregular de un grupo paralelo de agentes rebeldes de la CIA. Confuso, ¿verdad? En realidad Quantico ha tenido la aspiración de ser una especie de Homeland Sexy, pero no lo consigue porque en su aspiración de hacer una conspiración compleja llena de secretos se enreda demasiado y termina por confundir por lo menos en la primera parte de la segunda temporada. 



 Flashforward a Quantico 2B 

La primera parte de la segunda temporada de Quantico se centró en el secuestro de una cumbre mundial a manos del grupo terrorista “The Citizens Libertation Front” mientras que en el pasado se investigaba a una organización de agentes que terminaron conformando “The Citizen Libertation Front”. Se trata de una conspiración dentro de una conspiración donde los enemigos terminan siendo agentes sexys se pasaron al lado oscuro, excepto Ryan porque *razones*. En realidad lo único destacable de esta primera parte es la introducción del carismático y enigmático Harry Doyle (Russell Tovey) y de Owen Hall (Blair Underwood), el instructor y maestro que necesitaba Alex como su contrapeso. Desde su primera temporada, Quantico se quiso caracterizar por su estructura pero tener historias paralelas en el pasado y en el presente solo causaba confusión, así que dejar este estilo a un lado mejoró bastante su narrativa. 

 Harry y Owen

En la segunda parte de la segunda temporada, Quantico tuvo claridad, un orden y enemigos de talla. Esta vez, Alex (Priyanka Chopra), Nimah (Yasmine Al Massri), Ryan (Jake McLaughlin), Shelby (Johanna Braddy) y Owen (Blair Underwood) son parte de un grupo especial de agentes sexys cuyo objetivo especial es enfrentar a los “Collaborators” un grupo de ultranacionalistas conservadores no tan sexys, encabezados por Henry Roarke (Dennis Boutsikaris), que quieren cambiar la Constitución para crear una nueva América. Sin dejar su sexapple de lado, Quantico entró al juego político tratando con los “fake news” en MOCKINGBIRD, la vacancia presidencial en GLOBALREACH, la propuesta de registrar a los musulmane en ODYOKE, entre otros temas que han saltado a la palestra por la “Era Trump”, cuya influencia en la serie es obvia hasta el punto que el último episodio lleva como título RESISTANCE.


 El mejor episodio de la temporada es Mockingbird.

 Pese a la interesante propuesta de la pugna por el poder de una forma diplomática pero jugando sucio, Quantico no dejó la costumbre de dejar de lado personajes y de un momento a otro, Dayana (Pearl Thusi) desapareció, mataron a León (Aaron Diaz), el vínculo complejo de amor y odio entre Harry (Russell Tovey) y Sebastián (David Lim) se quedó inconcluso, Sebastian volvió a aparecer pero nunca se dio una explicación de qué es lo que estaba haciendo y Harry, el mejor nuevo personaje de la serie, después de reintegrarse al grupo se alejó nuevamente tras ser amenazado por Sebastián. Del mismo modo, otro de los clichés de Quantico son los dramas románticos, así que pese a que Ryan y Alex son endgame, Ryan se relacionó con una reportera rusa y Alex y Owen tenían una dinámica coqueta, pero ese intento de juntar a Shelby con otro miembro de la familia Haas más que una repetición de una historia ya conocida se sintió inapropiada. Según el showrunner Josh Safran, la relación de Shelby y Clay estaba moldeada de la relación principal de “The Wayy We Were” solo que en esta oportunidad Shelby se da cuenta que no necesitaba una relación con alguien definiera quien es. 


De todas formas, lo mejor que hizo la serie es que Clay y Shelby no concretaran su relación.  El jefe de casting merece un premio porque los actores que le dan vida a los hermanos Haas son iguales.

Otro clásico de Quantico es que nadie escucha a Alex a pesar de que siempre tiene razón y como siempre, al final, Alex nuevamente salvó al país, expuso a Roarke como la rata que es con un discurso que bien podría ser aplicable a Trump. Entonces, en lugar de enfrentar la vergüenza de una vida tras las rejas, Roarke decide suicidarse, mientras que Alex, que había revelado la actividad de Roarke, finge su muerte y se fuga con Ryan. Pese a su exagerado dramatismo y sus líneas sacadas de películas de acción, una de las cosas más positivas que tiene Quantico es la diversidad en su elenco teniendo como figura principal a Priyanka Chopra cuyo personaje Alex siempre termina siendo la heroína y salvadora de Estados Unidos.

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La segunda parte de la segunda temporada tocó no solo temas políticos actuales, sino que mostró una posición sólida frente a estas problemáticas siempre en la defensa de la libertad y los valores americanos. El último capítulo bien pudo ser la conclusión de la serie; pero sorpresivamente la ABC decidió renovarlos para una tercera temporada. 

domingo, 17 de septiembre de 2017

#Lahorafinal: Un país que no conoce su historia está condenado a repetirla

 La película “La captura del siglo” de los 90’s retrató el trabajo de los agentes del GEIN en la operación Victoria que terminó con la captura del líder del grupo terrorista Sendero Luminoso, Abimael Guzmán. Casi 20 años después, “La hora final” del director Eduardo Mendoza tiene una aproximación más humana que se proyecta en un contexto político en el Perú necesita recordar su historia. 


#TerrorismoNuncaMás 

De un ritmo pausado, “La Hora Final” nos da una vista del trabajo minucioso y paciente de los agentes del GEIN que se pasaban de vigilancia en vigilancia siguiendo personajes claves de Sendero Luminoso y revisaban fotos, videos y documentos para identificarlos. Pese a la tensión de un país desangrándose por los atentados terroristas, la película nos regala momentos amenos como la escena del chifa donde se va la luz y uno de los agentes sigue pidiendo su tallarín saltado o como cuando otro agente bromea narrando como un acento español la escena que está presenciando en la casa de los Sauces. Se trata de momentos tan peruanos y es que una de las cosas que caracteriza al peruano es su optimismo y su picardía, incluso en sus momentos más oscuros, las velas no son la única luz que logra brillar. Estas escenas me evocaron no sé exactamente si un momento que viví o vi en otra producción peruana, había una reunión de amigos, se va la luz producto de un atentado, se prende una vela y la reunión continúa, no es que haya una indiferencia por el atentado, solo que hay un alivio de estar con la gente que quieres y que ellos no se hayan visto lastimados.



Además de Sendero Luminoso, la gente del GEIN tenían varios enemigos en casa; la gente del SIN y el saboteo del gobierno de Alberto Fujimori. El lema del GEIN, “investigar para detener y no detener para investigar”, es la razón que los verdaderos héroes de la historia y es que sin cruzar la línea de la ilegalidad y respetando los derechos humanos lograron su objetivo. Y teniendo en cuenta que la película se basa en hechos reales, en el plano histórico, el GEIN merece un doble crédito por haber logrado la captura de Abimael Guzmán con tan pocos recursos. La intensidad que Pietro Sibille le inyecta a cada uno de sus personajes es la razón por la que es uno de los mejores actores peruanos. Pero en esta oportunidad, siento que se pudo reducir el drama personal de Carlos Zambrano con su ex porque es el clásico cliché de la mujer que no entiende el sacrificio del trabajo de un agente especial, no obstante, entiendo la intensión del director; el hijo de Carlos es la razón por la cual continuar luchando contra esa lacra de Sendero Luminoso. La película termina con la voz del hijo porque el triunfo de la detención del Guzmán no solo significó el inicio del fin del terrorismo, sino también el comienzo de la esperanza de un futuro diferente para el país. 



 La historia más significativa de “La Hora Final” es la Gabriela y la de su hermano terrorista a quien termina arrestando. El conflicto interno del personaje de Nidia Bermejo, su semblante y melancolía es impresionante, es agonizante y es conmovedor. No hay un final feliz para Gabriela, solo el golpe de una cruel realidad, sentir en carne propia el daño ocasionado por el fanatismo de su hermano es suficiente para abrirle los ojos, no puedes salvar a quien no quiere ser salvado.



 Por supuesto, “La Hora Final” está llena de tensión, presión y hasta de suspenso, por momentos, se siente claustrofóbica. El director usa planos cerrados para darnos la sensación de estar en la piel de nuestros protagonistas y así experimentar la ansiedad de cada uno de ellos, especialmente los momentos de asfixia de Zambrano. La recreación de los 90’s es fenomenal, aunque también hay cierta audacia en utilizar lugar que no han cambiado en 25 años. La actuación es de primera, mejor dicho, la actuación del grupo principal es de primera, el que hizo de Abimael Guzmán pudo ser mejor pero su barba falsa distraía demasiado. De hecho, toda la secuencia de la captura pudo tener un impacto mayor del mismo modo en el que el descubrimiento de toda la propaganda senderista cuando intervinieron una de las casas vigiladas, pero porque está pegado a la conclusión de la historia de Gabriela que fue la parte más emocional de la película, quizás por eso, perdió su peso. Respecto a la musicalización, el estilo parece más como una respuesta a “Zorba el Griego” y los momentos que se escuchaba cualquier melodía del arpa dosificaba la tristeza en una atmosfera cargada de energía negativa. Finalmente, hay “easter eggs” o guiños y pequeños datos históricos poco conocidos, como la posibilidad que estudiaba Estados Unidos de una intervención militar al país, hacen de puntos extras a la película. 



Si no me equivoco y por el mismo look, Bernales está basado en Benedicto Jiménez cuya historia real parece seguir el dicho de Batman: “mueres como heroe o vives lo suficiente para convertirte en villano”, pero bueno, esa es otra historia. 

 Personalmente, la que considero la mejor película sobre esta época oscura del país es “La última noticia”, protagonizada por Pietro Sibille, porque es la que retrata de forma más equitativa el terror de ambos lados, de Sendero Luminoso y del estado, que afecta a todo un pueblo olvidado, pero reconozco que “La hora final” llega en el tiempo preciso y tiene una oportunidad de generar una conversación con las nuevas generaciones para que no se dejen engañar por Movadef, fachada de Sendero Luminoso, y otros movimientos radicales. En las redes leo comentarios que dicen que todos los escolares deben ver esta película y concuerdo, pero antes de mostrarla se debería tener una breve clase de historia porque se necesita poner en contexto toda está década sino los niños no van a entender de quién se está hablando cuando se menciona a (Vladimiro) Montesinos o (Ketin) Vidal. Siempre he pensado que la penosa y crítica década de los 90’s merece una serie tipo “Narcos”, pero para quien quiere ver una serie desde una perspectiva más social “Nuestra historia” es un buen punto para comenzar. El mérito de “La hora final” es que llega en un momento correcto, pero no es mejor ni peor que las otras producciones sobre el terrorismo en el Perú, todas aportan una visión importante y necesaria de una historia que el país jamás debe olvidar porque como siempre se dice “un país que no conoce su historia está condenado a repetirla”.

viernes, 15 de septiembre de 2017

#BojackHorseman: You beautiful and broken stupid piece of shit

Una serie animada sobre un caballo depresivo y alcohólico es una de las series más sensibles y humanas en la actualidad. El año pasado, Rolling Stone se preguntó "cómo Bojack Horseman se convirtió en el show más gracioso y triste de la televisión", pero en su cuarta temporada debería preguntarse "cómo es que Bojack Horseman logra dejarnos con una sensación de esperanza, una suerte de todo va a estar bien, después de golpearnos emocionalmente durante 13 episodios". 



Todos somos Bojack Horseman 

No ha habido y creo que no habrá serie que llene tanto de tristeza y alegría como Bojack Horseman. Personalmente, encuentro fácil identificarme con Bojack, es más he sido Bojack en varias oportunidades, no es que sea un caballo, tiene que ver con mis propios defectos. Tengo una conexión con la serie por la forma en la que abraza la imperfección de la humanidad de una manera tan real como sublime. No hay nadie más imperfecto que Bojack, Bojack quiere una validación de que es bueno pero jamás se esfuerza en serlo, busca la felicidad en los lugares equivocados, necesita un propósito y al no encontrarlo, se sumerge en un espiral de autodestrucción arrastrando a quien lo acompañe, no aprecia el amor que tiene a su alrededor, trata a todos como basura y espera el perdón solo porque dice "lo siento" sin sentirlo de verdad. ¿Por qué Bojack es así? Sabemos que Bojack está dañado, pero la serie nunca justifica su mal comportamiento ya que cada vez que Bojack intenta ser una mejor versión de sí mismo encuentra un modo de arruinarlo por sí solo, pero la serie sí explica el por qué, Bojack es producto de una familia disfuncional y también es el daño colateral del trauma de su madre cuya familia sufrió una gran pérdida que la volvió fría y abusiva, pero Bojack también es responsable de sus propios actos y de las malas decisiones que toma estando al tanto que son malas decisiones. 



El poder del “no perdón” 

En la primera temporada, Bojack le pide disculpas a un amigo con cáncer terminal y este amigo no acepta la disculpa. En la tercera temporada, Bojack intenta pedirle disculpas a una directora que perdió su trabajo por su culpa, le escribe una nota pero esta se desvanece. Esto es algo constante con Bojack, se para disculpando hasta con sus mejores amigos, pero nadie lo disculpa. En la cuarta temporada, Bojack ni si quiera considera la posibilidad de perdonar a su madre ahora que está apunto de morir. “No, no te voy a dar un cierre, tienes que vivir con las mierdas que has hecho por el resto de tu vida y tienes que saber que nunca va a estar bien”, esa es la visión de Bojack sobre el no perdón. 



En teoría, el perdón significa sanación, absolución de culpa y digo en teoría porque hay que ser una gran persona para perdonar a alguien. En el caso de Bojack, el “no perdón” es más poderoso que el perdón, porque es una suerte de penitencia. En el transcurso de la serie, el narcisismo de Bojack disfraza su baja autoestima, pero hasta él mismo se da cuenta que no puede salirse con las suyas, entonces, carga sobre sus hombres una mochila que está llena de las mierdas que ha hecho e intenta ser mejor, intenta componerse, lo intenta, aunque no sea suficiente. A todo esto hay que sumarle la ansiedad que sufre nuestro protagonista. En el episodio “Stupid Piece of Shit” vimos la representación más exacta de la ansiedad, con los monólogos internos de Bojack insultándose a sí mismo y embriagándose para no escuchar esa voz diciéndole "pedazo de mierda", es decir, se tortura a sí mismo. Y es que Bojack tampoco se perdona por las cosas que ha hecho y por las cosas que va a hacer. Hay muy pocas series que puede expresar ideas oscuras y catalizar emociones de manera tan realista como lo hace Bojack, de hecho, la única barrera para que lo aleja de ser real es que se trata de una serie animada. 


Pese a que está compuesto con una carga emocional fuerte, cada final de temporada termina con una nota esperanzadoramente melancólica. La historia de la posible paternidad de Bojack no lo hizo madurar, pero sí dejar de aislarse, lo ha hecho intentarlo de nuevo, lo ha hecho despertarse, reaccionar y luchar. Y esta vez, Hollyhock lo ha elegido a él, lo está invitando a seguir en su vida después de que él ha creído que lo ha arruinado todo de nuevo. Esta vez, no hay solo una esperanza, hay la afirmación de que Hollyhock lo está aceptando como es y con esa validación se abre la puerta de que Bojack se acepte a sí mismo, incluso a su propia toxicidad. 


 La temporada más emocional y poética 

Luego de presenciar a morir a Sarah Lynn por sobredosis, Bojack dejó Hollywoo aparentemente para buscarse y no encontrarse de nuevo. Sin embargo, si algo ha caracterizado esta entrega es su alta cuota emocional y poética mezclando historias superficiales y con historias con capas. Los mejores episodios de la cuarta temporada de Bojack Horseman, “The Old Sugarman Place”, “Stupid Piece of Shit”, “Underground” y “Time’s Arrow” no son los más graciosos, son los más más conmovedores, son los te romperán el corazón, y también son los que abordan de temas complejos. En The Old Sugarman Place vemos de nuevo el patrón de autodestrucción de Bojack, si la ansiedad fuera un capitulo ese sería Stupid Piece of Shit, Underground habla sobre la desesperación en un escenario adverso y Time’s Arrow retrata el proceso de demencia de Beatrice, la madre de Bojack. 

 The Old Sugarman Place





Stupid piece of shit

 
Underground

 Time's Arrow

Bojack conjuga la trivialidad con la profundidad y es ingeniosa al utilizar su humor para hacer una crítica ácida de diversos temas, pero la gracia no nace de los insultos, nace de lo absurdo que son ciertos escenarios. Esta cuarta entrega ironizó sobre la trivialización de las campañas políticas con la campaña de Mr. Peanutbutter como candidato a gobernador, también abordó la hipocresía y la misógina del congreso y sus políticas sobre el control de armas y es que pese a que se registran tiroteos en el país, el congreso solo actúa cuando estos tiroteos son ejecutados por mujeres. Hemos visto como el sexismo y la ignorancia hizo que el padre de Beatrice ordenara que loboticen a su esposa porque no sabía como lidiar con la pérdida de su hijo y el mismo sexismo impidió que Beatrice pudiera tener una carrera. Del mismo modo, Judah y Ralph Stitton subestimaron a Pricess Caroline tanto en su trabajo profesional como en vida personal. Y por su lado, Todd admitió su asexualidad y la serie nunca se burló de su orientación sexual de una forma denigrante. Ya mencione la pesada historia de la familia de Bojack y la propia depresión de Bojack. La serie es fuerte hasta cruel, pero nunca llega a ser ofensivo, es más es significativo y se siente real pese a que es una serie animada sobre un caballo. 


martes, 12 de septiembre de 2017

#Doble: Si amas a alguien, no alteres el pasado

 En medio de una crisis matrimonial y debido a un “fenómeno” que involucra una estrella fugaz, Fede (Salvador del Solar) tiene un chance de reencontrarse con la versión joven de su actual esposa Mariana (Majida Issa). Pese a la extraña premisa, la película “Doble”, dirigida por Felipe Martinez, es simple, pero sobre todo entretenida (si no esperas mucho) gracias a su combinación de comedia romántica con ciencia ficción, sin embargo, lo que la hace memorable para mí es su final. 



“Si amas a alguien déjalo ser feliz” 

El titulo “Doble” es explicado en una de las escenas donde el mejor amigo de Fede, Lorenzo, interpretado por Christian Meier, le pregunta a Fede si es que se va a quedar con la “original” o con la “doble”. Para Lorenzo, la original es Mariana actual y la “doble” es la versión joven de Mariana pero en realidad Mariana joven no es una doble de Mariana en la actualidad ni viceversa, solo son versiones diferentes. Personalmente, creo que el titulo hace alusión a una doble oportunidad. Pese a que hay amor entre Fede y Mariana, después de 20 años obviamente ha cambiado, ya no son los mismos, han madurado y ambos en cierta forma se han conformado y han dejado sus sueños a un lado. Entonces, cuando Fede se encuentra con la versión joven de Mariana, se entusiasma de nuevo. Se ha enamorado dos veces de la misma mujer, solo que esta vez ya sabe lo que tiene que hacer para que ella sea lo que él quiere que sea. Ese es el principal conflicto, Fede intenta moldear a Mariana porque cree que así será feliz, no obstante, Fede ha tenido una doble oportunidad de estar con las dos Marianas y aparentemente es feliz pero también está agotado. 

 Fede y Mariana se conocieron cuando eran jóvenes en una época donde ser jóvenes era sinónimo de ser punks

Al final Fede no se queda con Mariana porque después de actuar de una forma completamente egoísta e incoherente, hace lo correcto y al impulsarla a aceptar una beca de fotografía a Nueva York jamás llega a estar con Fede. Como una clásica película romántica, Fede aprende su lección y prioriza la felicidad de Mariana antes que la suya. La deja ir. La deja ser feliz. Y en la nueva línea del tiempo, la nueva versión de Mariana se fue a vivir a Nueva York y ahora es una fotógrafa reconocida, y le manda un video a Fede donde le agradece ese empujón que le dio, porque ella tenía el talento pero tenía miedo y necesitaba que alguien la impulsara a seguir sus sueños y al hacerlo se le abrieron las puertas a una vida mucho más feliz tanto en el plano profesional como en el plano familiar como madre de dos hijas. 

 
Lorenzo, la verdadera víctima de Fede

 Los momentos más graciosos son las escenas de Salvador del Solar con Christian Meier que a su vez sirven como una explicación de lo que está sucediendo. A Christian Meier le sale a la perfección hacer del tipo arrogante cuya carisma minimiza sus excentricidades y defectos, hay que admitir que la película es machista, todo gira al rededor de lo que quiere Fede y el propio Lorenzo quien está obsesionado con su ex de la universidad, la busca en cada mujer que conoce y sabotea sus propias relaciones porque no la encuentra, pero más adelante nos damos cuenta que más que la propia mujer es la idea de ella. En la línea original del tiempo, Lorenzo era soltero, mujeriego, conservaba un espectacular cuerpo y dentro de todo era feliz, pero cuando Fede altera la línea del tiempo, Lorenzo se casa con esa mujer que tanto estaba obsesionado porque la embarazó, tiene hijos pero es miserable y gordo. Entonces, Lorenzo se convierte en la verdadera víctima de toda la película. Así es, Del Solar le jode la vida a Christian Meier. No obstante, veamos el lado profundo, lo de Lorenzo deja la pregunta al aire, ¿qué es mejor una falsa ilusión de lo que pudo haber sido o una realidad dónde estás con esa persona pero eres infeliz porque no es lo que esperabas? ... No sé cuál es la respuesta correcta, lo que sí sé es que la batalla de las expectativas versus la realidad es algo muy común, demasiado común.

 
En conclusión, me gustó el sentimiento que logra evocar “Doble” o que nacen de analizar la premisa, a la ejecución le falta bastante. No es una mala película, pero tampoco es una buena, igual me gustó que sea una propuesta diferente, me gustó sus toques de comedia meta, me gustó que no se complicaran con eso de “viajar” en el tiempo, me gustó Salvador del Solar aunque no le sentí mucha química con Majida Issa, me gustó Christian Meier (y creo que debió tener un mejor final), me gustó que Del Solar y Meier sean quienes sostengan la película con su bizarra amistad, me gustó cayera en ciertos clichés y evitara otros, pero sobre todo me gustó el final que se aleja del "juntos y felices para siempre".



Pensamientos al aire: 
-Lo del edificio al que uno entra y está en el pasado me recordó a "Parallels", aunque el edificio en "Parallels" sirve para hacer viajes entre mundos paralelos.
-Si no te sale el acento colombiano porque eres peruano, haz que el personaje sea peruano, no hay otra porque a ninguno de los dos les sale el acento colombiano.
-¿Se puede considerar engaño o infidelidad si es que te acuestas con una versión más joven de tu esposa?
-Sinceramente pienso que en vez de aceptar que la despidan, Mariana debió denunciar a su jefe por acoso sexual.
-Lorenzo deja a su esposa por la insoportable mejor amiga de Mariana. Este tío merecía algo mejor. Fede lo jodió en todo.

sábado, 9 de septiembre de 2017

#Narcos T3: Bienvenido a Calí

Si Homeland pudo sobrevivir sin Brody, por supuesto que Narcos pude sobrevivir sin Pablo Escobar. ¿Por qué? Porque que la verdad es que el protagonista de Narcos no es Pablo Escobar, es el narcotráfico. En su tercera temporada, Narcos es una suerte de reboot sobre sí mismo, continúa siendo sangrienta y operando en una zona muy gris donde los héroes son antihéroes y donde los enemigos tienen enemigos pero esos enemigos no son tus amigos. Ahora, Javier Peña (Pedro Pascal) está encargado de atrapar al cartel de Calí y también carga sobre sus hombros la serie. 




Para matar al monstruo, a veces tienes que acostarte con otros monstruos

Narcos conserva su misma estructura pero esta vez, como lo advierten los monólogos de Peña, que son más breves y menos descriptivos que los de Murphy, tiene como antagonistas al cartel ce Calí, una organización que funciona como una corporación mafiosa secreta. En ese sentido, los nuevos némesis de Peña no serán tan carismáticos ni populares como Pablo Escobar, pero son mucho más pragmáticos. Entonces, "el juego del ratón y gato" que vimos las dos primeras temporadas ahora es una persecución estratégica a una escala mayor. 



El plan original de la cabeza del cartel, Gilbert Rodríguez (Damián Alcáza), era legalizar su negocio mediante un trato con el gobierno. Sin querer este plan desata una crisis interna en el cartel ya cada uno de los miembros tiene intereses propios y dudan que los planes de Gilbert se puedan hacer realidad y además, otros carteles desean ocupar el lugar del cartel de Calí a la mala. En paralelo, Peña hacía un trabajo de hormiga para desmantelar un cartel que tenía un trabajo de vigilancia y de inteligencia que bien podría ser la envidia de la propia CIA. Pero Peña no solo tenía como némesis al propio cartel sino también a políticos y policías corruptos. 



Con Peña como figura principal, la tercera temporada ha tenido un ritmo más rápido, pero con una aproximación más fría, una mirada mucho más calculadora y táctica del trabajo de la DEA y de las alianzas no siempre correctas que ha hecho para cumplir con su objetivo. De ese modo, la historia del cartel de Calí comenzó y terminó en una sola temporada. Y es que el protagonista de Narcos no es una persona, es el narcotráfico y si bien la comercialización de drogas no nació con Pablo Escobar, sí desató una guerra en Colombia que cambió su historia, pero ciertamente la guerra con el narcotráfico no acaba con el cartel de Calí ni tampoco en Colombia. Según el teaser final, todo parece indicar que de ser renovado (que es lo más probable), el próximo destino es México.

https://narcosedits.tumblr.com/post/165021740220/first-and-last-appearance-the-gentlemen-of-cali

 Una de las cosas más impactantes de Narcos es que se basan en hechos reales… han cambiado eventos para insertarle más dramatismo o más acción, pero de todas formas, sigue siendo increíble que en muchos casos, la ficción no superara la realidad. 

miércoles, 6 de septiembre de 2017

#BabyDriver: Un musical de acción

Si hay algo que distingue a Baby Driver de Edgar Wright es su estilo propio; la narrativa de la película lleva el ritmo (literal) de su fenomenal soundtrack. Se trata de una de esas producciones que no depende de su argumento sino que se vale de su creatividad para presentar una particular visión que lo hace único, original y especial. De modo que el plantear una historia sencilla desde la perspectiva de Baby, un chico que depende de la música para menguar su condición, transforma esa historia sencilla en un musical de acción. 


*Enciende su Ipod y arranca su auto*

 Desde su primera escena, Baby Driver presenta su tono y su estilo, mientras los demás están asaltando un banco, Baby se queda en el auto divirtiéndose con la canción ideal ha escogido para la persecución después del robo. La importancia de este estilo no solo reside en la buena música, meticulosamente seleccionada para calzar con las secuencias de acción, sino en el sonido en general y en una edición que nos pone en el lugar de Baby, estamos escuchando lo que Baby está escuchando y cuando le quitan uno de los audífonos, podemos escuchar ese zumbido molestoso razón por la cual Baby siempre está escuchando su Ipod.




http://bob-belcher.tumblr.com/post/163699194236/baby-driver-2017-dir-edgar-wright

 Ansel Elgort es el perfecto protagonista para Baby Driver ya que conjuga una inocencia tierna con un lado salvaje e inquieto. Baby es el chico del corazón de oro que es amoroso y protector de su padrastro Joe y de su novia Debora y que por causalidades del destino se ha visto involucrado con Doc (Kevin Spacey) cuyo negocio es organizar robos. No se trata de una historia extraordinaria pero sí bastante sorpresiva con unos giros impredecibles como el hecho que el villano no sea Bats (Jaime Foxx) ni el propio Doc sino un impecable y aterrador Buddy (Jon Hamm). Doc incluso ayuda a Baby y a Debora a escaparse porque "una vez estuvo enamorado", bueno, la verdad es que Doc y Baby fueron un equipo y como tal funcionaron bien en sus trabajos previos hasta que Baby quiso salirse de esa vida.



 Este año, La La Land ya había comprobado que una historia romántica, y ante todo simple, puede destacar y resaltar gracias a la música y ahora Baby Driver ha hecho lo propio pero esta vez en el género de acción. Esta película está compuesta de tal manera que cada secuencia parezca un videoclip musical de acción y aunque técnicamente, no se puede considerar un musical, digamos que se le debería colocar ese título ya que es la música la que construye la película.



You gor the music in you! 

 ¿Recuerdan que el trailer del Suicide Squad nos vendió la idea de que se trataba una buena película? ¿Qué es lo que hizo a ese trailer uno de los mejores trailers en la historia? Su composición. El modo en que Bohemian Rhapsody de Queen encajaba perfectamente con la historia y el solo de guitarra resaltaba la acción. La composición del trailer creó expectativas y si algo bueno podemos sacar de ese trailer es que aunque no sea de Baby Driver, toda esa honda cool Wright logra trasladarlo a su propia película. Este es el estilo que debió tener la película y no solo el trailer de Suicide Squad para funcionar.



Si bien es cierto, el tráiler de Baby Driver es bueno, no le hace justicia a la película. 

Se ha puesto de moda musicalizar los tráiler con canciones conocidas, por ejemplo, Atomic Blonde se beneficia de Killer Queen, Kingsman The Golden Circle hace lo propio con My Way e incluso Immigrant song de hace del tráiler psicodélico de Thor Ragnarok uno de los más creativos desde Guardianes de la Galaxia. En todos estos trailers la clave siempre está en la edición al ritmo de las canciones elegidas.







 Las películas "Guardianes de la Galaxia volumen 2" y "Baby Driver" tienen los mejores soundtracks del año y coincidentemente, ambos incorporan la música a sus historias. El director de "Guardianes de la Galaxia", James Gunn, ha explicado que el uso de las canciones es para evocar y fortalecer los sentimientos en escenas claves, mientras que por su lado, Edgar Wright tiene la manía colocar videoclips de acción en sus películas, aunque esta vez con “Baby Driver” la música está al mismo nivel es la base de la historia. Sin embargo, el crédito o la rebeldía de Wright es que escribió un guión alrededor de las canciones perfectas para una persecución a escala pese al consejo de Quentin Tarantino de que no lo haga porque había un chance de que no pudiera conseguir los permisos para usar las canciones que quería. Lo interesante del proceso de Wright es que también desafía el orden de la producción puesto que originalmente, se graba una película y después se musicaliza. Wright y Gunn son dos directores que le agregan un plus a sus películas mediante el uso inteligente y creativo de canciones en sus historias.



 Recientemente, un artículo de Inverse reunió 20 escenas que intentan emular el encantador intro de Guardianes Volumen 2, sin embargo, estos videos nos ayudan entender por qué este estilo no funcionaría en todas las películas. En el intro de Guardianes se sienta el tono de la película, Groot bailar al ritmo de Mr. Blue Sky mientras se desarrolla una batalla a su alrededor, es tierno, gracioso y caótico... como la película. Del mismo modo, Wright escogió canciones rítmicas cuyos golpes y solos son perfectos para la acción. Así que no se trata solo de colocar una buena canción en una escena, se trata de generar una composición audiovisual memorable. Pero ya está de moda utilizar canciones populares pese a que el contexto no lo requiere. Veamos por ejemplo, la película Death Note de Netflix, no hay una explicación lógica para utilizar música de los 80's puesto que la película es (suponemos) no se desarrolla en ese tiempo, no obstante, ponen ese tipo de canciones porque es la moda porque se quiere ese estilo de un musical de acción sin necesariamente construirlo primero.

sábado, 2 de septiembre de 2017

*Escribe a Netflix en su #DeathNote*

 Después de ver la película Death Note en Netflix... lo único que se me viene a la mente fue que no fue tan mala, pero no por falta de esfuerzo. Dejando a un lado, la controversia por el whitewashing y la lluvia de críticas, lo que el film carece es alma y sentido común. De modo que si no has visto el anime vas encontrar una película que aunque entretenida (por momentos) evidencia muchas incoherencias, sin embargo, cuando le has dado un chance al anime, entonces, en la comparación, la película pierde y hasta ofende.



 ¿Cuál es el problema con Death Note?

 La película Death Note dirigida por Adam Wingard tiene aspectos positivos como Ryuk, claro que solo me refiero a la voz de Williem Dafoe. Asimismo, el tono sombrío de la fotografía crea la atmósfera apropiada para la temática, pero es el abuso del gore lo que hace risible las muertes en las secuencias que deberían ser impactantes. No obstante, el principal problema del film es su guión flojo combinado con un ritmo rápido lleno de deus ex machina. Un "Deus ex machina" es cuando un personaje resuelve un problema crítico de una manera inesperada no ingeniosa a conveniencia de que el trama avance. El "Deus ex machina" es un recurso muy utilizados en películas de acción, sobre todo americanas, donde el héroe de ve encerrado con una bomba pero milagrosamente tiene una forma de desactivarla al último minuto. 



Lo cierto Death Note tiene una premisa interesante que se ve desperdiciada. Tienes un cuaderno donde puedes escribir el nombre de una persona y cómo quieres que muera y esta persona morirá. Este cuaderno cae en las manos de Light Turner (Nat Wolff). Desde el primer momento, Death Note se empeña en que sintamos pena por el protagonista solo porque es el protagonista, no nos explica nada más y espera que seamos Team Light solo porque es nuestro antihéroe, pero Light es alguien demasiado apático, demasiado "emo", demasiado dramático y demasiado cliché, hasta el punto que incluso su propia historia (una madre asesinada y el ser víctima de buylling) no nos causa ni una más mínima empatía o simpatía. Light junto a su novia Mia (Margaret Qualley) utilizan el cuaderno para matar a los "malos" del mundo. Tampoco sabemos por qué Mia es así. Me gustaría pensar en Mía como la versión más oscura del personaje de Qualley de The Leftovers, una niña insatisfecha y autodestructiva que se conecta con Light solo porque ambos tienen el retorcido gusto de "matar" bajo el pretexto de hacer un mundo mejor, pero ese es mi cerebro tratando de llenar los vacíos de la historia, la verdad es que los motivos de todos en las película nunca están claros. Quizás Mía solo es una sádica a la que le gusta ver morir a la gente y Light solo es un idiota que le reveló la función del cuaderno a Mía para tener con quien acostarse... 


Creo que si puedo rescatar algo más de la película es "L"(Lakeith Stanfield), el antagonista que bien podría ser el protagonista porque es más interesante y practica una filosofía propia, no sigue las reglas convencionales pero sigue sus reglas... al menos hasta que Light secuestra a su asistente, entonces, del calculador frío no queda de la sombra y las emociones nublan su lógica. Death Note nunca profundiza en la mitología del cuaderno de la muerte y hace un uso descomunal del deus ex machin; "L" sabe que es Light es Kira solo porque sí, "L" sabe que además de necesitar el rostro de la persona también necesita el nombre solo porque sí (pero convenientemente no sabe que se trata de un cuaderno), las reglas del cuaderno de la muerte cambian y tienen tecnicismos porque solo porque sí... es decir, todo se acomoda a la perfección para que al final Light se salga con las suyas porque resulta que todas las acciones, incluso revelarle a "L" estúpidamente que una hoja del cuaderno de la muerte está en su libro de cálculo, es parte de su plan. Sí, todo era el gran plan maestro de Light, todo, incluso matar a su novia (¿?)… Pese a que desde que nos presentaron a Ligh nada indica que se trata de un tipo brillante. De modo que hasta el momento climax es un deus ex machina, es una solución fácil que le resta coherencia a la película en general. 



¿Es tan difícil hacer una adaptación correcta? 

 La palabra clave aquí es una adaptación y al ser una adaptación no necesariamente tiene ser completamente fiel al material, pero tampoco no vas a destrozar la esencia del anime. Quizás el problema es que un capítulo de Death Note son 30 minutos de drama puro a modo de monólogos mentales desde la perspectiva de personajes con un compás moral marcado y con propósitos claros. En ese sentido, la acción es una consecuencia de un análisis interno y externo. El enfrentamiento de Light y "L" es de dos genios jugando una partida de ajedrez diferencia de… bueno, la película. La serie plantea preguntas profundas sobre lo bueno, lo malo, la justicia y la muerte pero nunca nos da respuestas, siempre las deja en el aire. Trasladar estas ideas complejas a una película no es imposible, y sin embargo, la película de Death Note toca la superficie de estas ideas y altera las características que definen a los personajes principales.  No solo se trata del tempo y de la aproximación, quuizás mayor suerte si se hubiera tratado de una serie de 8 capítulos de 45 minutos cada uno, por lo menos, hubiera tenido un chance de desarrollar a los personajes y la propia historia.  WatchMojo ha hecho una lista de los cambios que ha realizado la película del anime lo que explica por qué la gran mayoría escribiría el nombre de Netflix si existiera de verdad el cuaderno de la muerte. 


lunes, 28 de agosto de 2017

#SongtoSong: Un experimento sensorial

Song to song de Terrence Malick es un experimento, un ejercicio de improvisación, se siente como un documental, pero en realidad se trata de una poesía audiovisual estética e intima. Las imágenes nos cuentan una historia casi sin un dialogo, o al menos uno significativo, pero está bien, no necesitamos escuchar las conversaciones para conocer lo que los personajes principales sienten, sus acciones hablan por sí mismo pese a las contradicciones de lo que quieren. 



Los protagonistas son BV (Ryan Gosling) y su profunda melancolía, Faye (Rooney Mara) y su búsqueda insaciable por experimentar (lo mejor y lo peor de la vida) y Cook (Michael Fassbender) y su absoluta autodestrucción que termina consumiendo a su esposa (Natalie Portman). En el fondo Song to Song es un drama romántico llena de momentos, todo tipo de momentos, momentos llenos de exceso, momentos llenos de amor, momentos banales, momentos de placer, momentos de odio…. simples momentos en la vida pero desde una perspectiva artística surreal. Una vida que continúa para Faye y BV después de romper cuando le confiesa que le ha sido infiel con Cook, una vida que continúa en un espiral de sexo y alcohol para Cook que eventualmente lleva al suicidio de su esposa, una vida que continúa BV con una nueva mujer, al igual que Faye, para eventualmente reencontrarse para darse una nueva oportunidad.

http://elyalovi.tumblr.com/post/164682416210/rachelmcadamses-we-thought-we-could-just-roll

En Song to song, las actuaciones se sienten autenticas, la improvisación nos regala momentos ficticios pero reales, y el hecho que se desarrolle en la industria musical le agrega un plus, pues, además de ver cameos de artistas como Red Hot Chili Peppers, Patti Smith e Iggy Pop, la musicalización evoca sentimientos en una película donde estamos viendo estos sentimientos en pantalla.  Song to Song no es una película convencional por lo que tomará un tiempo adecuarse al estilo, muchos lo encontrarán aburrido, pretenciosa, sin un punto, sin una dirección determina, o simplemente no lo entenderán, eso es lo mágico de Song to Song, por eso trae a la mente la palabra poética, cada quien ve lo que quiere ver.



sábado, 26 de agosto de 2017

#WynonnaEarp T2: El poder de la empatía

En su primera temporada, Wynonna Earp era una producción sobrenatural de Syfy que se distinguía más por sus ambiciones que por sus propias limitaciones. La renovación de la serie para una segunda entrega se dio básicamente gracias a un fandom activo en las redes sociales. Considerando que la segunda temporada es en realidad la prueba de fuego para el posible futuro de una serie; ya que es la oportunidad de arreglar lo que no funcionó, mejorar la narrativa o seguir replicando la fórmula mágica que se constituyó en primer lugar, Wynonna Earp le ha apostado a la filosofía; “si podemos hacerlo, hay que hacerlo”. 



 Pueblo chico, infierno grande y mucho corazón 

 Siempre he pensado que la expectativa de vida de una serie no depende de su premisa sino del elenco, mientras el elenco conecte con el público, así sea la serie mala, durará. Recién me doy cuenta que si bien el elenco es un factor, la clave del éxito de cualquier serie es la empatía y precisamente ese es el elemento que hace de Wynonna Earp una serie tan especial. Es fácil identificarse con los personajes de Wynonna Earp, al margen de sus aventuras, y es esta empatía la que ha logrado que fans apasionados hagan bulla en las redes sociales, tanta bulla que medios especializados están comenzando a prestarle atención y se están dando cuenta que Wynonna Earp además de ser empática, es una producción fuera de lo común. En medio de la segunda temporada, Vaninty Fair le dedicó un artículo donde califica a la serie como una descendiente de Buffy, alabando el modo en el que mezcla el horror con el humor. 



Aunque suene como clásico, en realidad la combinación de estos dos géneros necesita un buen balance para funcionar, una mala broma en una escena puede malograr el momento de tensión o puede minimizar un momento significativo, sin embargo, Wynonna Earp tiene la habilidad de burlarse de sí mismo, tanto dentro de la historia y como fuera de la misma con comentarios metas, pero en los momentos claves deja el humor de lado para abrazar su lado más sentimental y para dejar que el publico procese esos sentimientos que genera. Y hay muchos sentimientos, demasiados. Wynonna tuvo que lidiar esta temporada con la culpa de haber matado a su hermana mayor, Willa, y con un embarazo no deseado en medio de sus batallas con demonios internos y externos literalmente hablando, sin mencionar que en el plano sentimental, Wynonna tiene algo con Doc y con Dolls. Por su parte, Waverly ha estado lidiando con una crisis de identidad y una búsqueda de un propósito mientras continúa siendo la sidekick de Wynonna. 



Aunque la serie lleve como titulo Wynonna Earp, el corazón de la serie son las hermanas Earp y como en toda familia, Wynonna y Waverly no siempre están en la misma página, no piensan igual, se pelean, pero no importa si se sacan de quicio, se necesitan, son familia y el amor es un arma más efectiva que el propio Peacemaker. Obviamente, dentro de esa “familia” también podemos incluir a Doc, Dolls, Nicole, Jeremy (el nuevo alivio cómico) y a Rosita (la novia de Doc). En la primera temporada ya habíamos visto como Doc y Dolls se vuelven aliados por Wynonna y en la segunda entrega continúan su bizarra amistad estando conscientes de lo que sienten por Wynonna. Por su lado, Jeremy parece tener un crush por tanto Doc y Dolls. Rosita y Wynonna se llevan bien aunque Rosita sea la novia de Doc y Rosita se besó con Waverly aunque ella estaba con Nicole. No he visto a un grupo tan ortodoxo y unido, con triángulos amorosos y dramas sentimentales internos, desde Lost Girl que sucede que también es una producción en la que estuvo involucrada Emily Andras. Pero con Wynnona Earp, Andras se anima apostar una locura desbordante, como ella misma lo califica se trata la serie que tiene como principal objetivo hacer que el espectador se sienta como en una montaña rusa sentimental y lo consigue, por lo menos, en la mayoría de sus episodios. 



 Todos los planes de Wynonna Earp… 

 Debo admitir que por momentos, la segunda temporada se sintió incoherente como si no tuviera una dirección concreta, pero eso tal vez se debe que a la mitad de temporada cambiaron su historia para incluir el embarazo real de Melanie Scrofano como un embarazo no planeado de Wynonna. Esto me causó muchas dudas, pero me sorprendí de lo bien que se manejó tanto en el plano creativo como productivo. Emily Andras pudo escoger esconder el embarazo de Scrofano, era el camino “fácil”, pero no lo hizo pero tampoco renunció a su idea principal, continúo regalándonos una badass total Wynonna Earp sin censura pero está vez llena de hormonas y con una panza. Claro, la idea de un bebé en un pueblo sobrenatural no tenía mucha cabida, así que al final de la temporada Wynonna renuncia a su hija para que ella pueda tener una vida normal lejos de Purgatory. 



 Se nota que Melanie Scrofano se divierte con Wynonna Earp, especialmente porque significa emular a todos los emojis posibles con alguna mueca reactiva. Y tan buena como es Scrofano en la comedia, también lo es en el drama. En el episodio “Let’s Pretend We’re Strangers”, vimos el lado malicioso y cruel de Wynonna Earp al estar poseída por un demonio y en el episodio final de la temporada, esa escena donde se despide de su bebé nos rompió el corazón. A esto hay que sumarle que filmar embarazada no es muy cómodo que digamos y sin embargo, Scrofano le saca el jugo comiendo en cada escena o burlándose de su propia situación. 

Otra cosa que hay que alabar es la reacción de Doc Holliday, el padre del bebé de Wynonna, demostrando que se puede ser un caballero progresista. Doc le dejó claro a Wynonna que la apoyaría en todas sus decisiones así no esté de acuerdo con las mismas. 

http://wynonnaearpdaily.tumblr.com/post/163425220075



El poder del (buen) fanservice 

 La gran mayoría que le dio un chance a Wynonna Earp lo hizo por Wayhaught (nombre del ship compuesto por Nicole Haught y Waverly Earp) y se ha quedado por la historia. Así que no puedo culpar a Emily Andras por hacer uso del fanservice, todas las series lo hacen de un modo u otro, sin embargo, lo que hace Wynonna Earp llega a un nuevo nivel. Al mismo estilo de Oprah reglando carros, Andras regala momentos, especialmente, con Wayhaught. Esta temporada en particular parece haber sido escrita para que Dominique Provost-Chalkley deslumbre como Waverly Earp, así que la hemos visto cantando, imitando un acento inglés terrible- un guiño al hecho que la actriz es inglesa-, realizando un bailecito sexy en uniforme de animadora.



 Sin embargo, aunque a la serie le gusta pretender que Nicole Haught es más que un interés amoroso de Waverly, lo cierto es que todo en su personaje prueba que lo es, todo lo que respecta a Nicole gira alrededor de Waverly, pero Nicole es importante para el grupo porque es Nicole y no porque es la novia de Waverly. Mi crítica en la primera temporada es lo rápido que fue desarrollado Wayhaught y ahora se han tomado el tiempo de explorar esta nueva relación, las hemos visto coquetear, pelear e incluso hemos tenido un capitulo donde en una realidad alternativa vimos a Wayhaught enamorarse de nuevo. Andras ya ha establecido que tenemos una suerte de “almas gemelas”. Solo ha habido dos cosas que han causado molestia, Waverly besó a Rosita en medio de una pelea con Nicole y resulta que Nicole estaba casada. Pero vamos, en las series, una pareja necesita cierta cuota de drama y Wayhaught ha tenido su cuota, lo que importa es que han salido triunfantes de los retos que se le presentan.


Además, como punto extra podemos hasta hemos tenido una mención Wayhaught literal en la propia serie. 

 Del modo en el que terminó la temporada, todo parece indicar que Nicole y Dolls investigarán un culto. Hablando de una tercera temporada, los productores y el elenco le dan el mérito de la renovación a Syfy, pero sobre todo, a sus seguidores. De hecho, hasta hicieron un video y todo. Es muy chistoso seguir a los actores en el Twitter, especialmente a Emily Andras, gracias a sus memes y hasta hacía una escala de lo "gay" que era el episodio.


 La revolución de Syfy 

 Syfy es reconocida por ser Syfy, la casa de Sharknado… pero en los últimos tiempos, Syfy se ha vuelto más progresiva, más femenina, más aventurera. Las extravagantes producciones de Syfy desde hace un tiempo está centrada en protagonistas femeninas complejas y fuertes. En la actualidad, The Expanse, The Mafiacian, 12 Monkeys, Wynonna Earp, Killjoy y Dark Matters, las series más reconocidas de Syfy, tiene el común denominador de tener una sólida protagonista. Pastemagazine ha hecho una nota donde habla de la revolución de Syfy con sus protagonistas y cómo es que esta tendencia le está funcionando de maravillas gracias a sus historias. En el caso especifico de Wynonna Earp, la publicidad de boca a boca, o mejor dicho, de tumblr a twitter, ha llevado a una serie chica a ser reconocida gracias a su locura creativa que exuda feminismo, empatía y fanservice.


The future is female... nope, the present is female in Syfy

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