viernes, 31 de marzo de 2017

#BatGirl: En defensa de #JossWhedon

Aún no es oficial, pero Warner quiere que Joss Whedon se haga cargo de la película de Batgirl. Esta posibilidad ha generado muchas críticas y antes de profundizar en el tema, creo que Whedon es una gran opción si es que le dan total libertad en el guión y la dirección.



 Los pro de Joss Whedon 

 Hay mucha gente que odia que Joss Whedon esté involucrado en el proyecto de Batgirl y al mismo tiempo admira a Buffy como si Buffy se hubiera dirigido y escrito solo. Buffy es un icono feminista producto del esfuerzo de Joss Whedon que tomó un personaje de una película de horror y lo convirtió en una figura trascendental en la cultura pop. Y es que si algo ha hecho Whedon en todas sus producciones es innovar, romper esquemas y constantemente desafiar los estereotipos, aunque a veces, caiga en sus propios clichés. Whedon tiene una predilección de componer personajes llenos de capas y matices, pero son sus personajes femeninos son los que ha logrado tener mayor conexión con el publico. La imagen de la heroína llena complejidades, emociones y conflictos se ha transformado un trofeo televisivo hasta el punto que una buena parte, por no decir la mayoría de producciones, trata de imitar el "modelo de Buffy". Entonces, podemos decir que los personajes femeninos es una de sus especialidades, sabe cómo escribirlos y sabe darles una historia interesante.


Personajes femeninos de carácter fuerte

De modo que Whedon podría llevar a Batgirl a otro nivel, teniendo en cuenta que Barbara Gordon ya es un icono, pero nunca ha tenido una producción propia centrado solamente en ella. Según se ha dado a conocer es muy posible que Whedon se inspire de los comics del nuevo 52 en donde Barbara Gordon ya no está paralizada pero aun sufre el estrés postraumatico luego que el Joker le disparara en la columna en The Killing Joke. Sin embargo, Whedon podría coger las mejores características de las historias de Batgirl y crear una nueva historia de una heroína rota física y emocionalmente en recuperación que intenta independizarse de la sombra de Batman. Hay que recordar que esta película estaría en el mismo universo cinematográfico de la DC - en donde también hay un proyecto centrado en Nighwing con quien Batgirl tiene una relación ambivalente - y luego de haber visto el traje de Robin en Batman v Superman, es muy probable que ya se vivió la parte más oscura de la historia del Caballero de la Noche, razón por la cual Batman ha vuelto a trabajar solo. En ese sentido, Whedon podría utilizar esa "independencia" para su propio beneficio y explorar ese nuevo mundo de Barbara Gordon.


Los contra de Whedon 

Whedon decidió cerrar su cuenta de Twitter tras la avalancha de críticas por la historia de Black Widow/Natasha Romanoff en Age of Ultron. La mayoría de quejas vino porque toda la historia de Nat estuvo centrada en su "relación" con Bruce/The Hulk, una historia que nació de la nada y en donde básicamente se convirtió a Black Widow en un interes amoroso y una damisela en peligro, un cliché burdo y absurdo por debajo de las expectativas que se tenía de Whedon. 


Mark Ruffalo trató de responder las críticas afirmando que Bruce fue el interés amoroso y no Black Widow.

Se dice que Whedon tuvo varios enfrentamientos con los directivos de Marvel al momento de hacer esta película y es que Age of Ultron tenía que cumplir varias pautas; como introducir a los hermanos Maximoff, Scarlet Witch y Quicksilver, y a Vision, además de sentar los cimentos para Civil War y darle cierta cuota de importancia a cada miembro del elenco. Todo esto se dio en medio en la época cuando Ike Perlmutter era el principal directivo de Marvel y Permutter es un tipo al que más le importa el vender el merchandising que una buena historia. De hecho, fue tanta la presión en la que estaba sometido Whedon que tras Ultron decidió tomarse un largo break. Pero los problemas tras bambalinas no justifican lo que vimos con Black Widow y The Hulk, que de por sí no es un mal dúo. Puedo ver a Natasha y Bruce como pareja de darse un mejor desarrollo. Lo que dijo Mark Ruffalo hacía ver como que Natasha rescataba a Bruce del monstruo que siente que es The Hulk y hasta vimos una escena donde es Black Widow la que controla al Hulk de Bruce, pero después tuvimos dos escenas con un terrible dialogo en donde Nat parecía una mujer desesperada por la atención de Bruce y después el personaje completo se deshace por la mala interpretación respecto a unas línea ya que Black Widow dijo que se sentía como un monstruo porque había sido moldeada para ser una asesina, pero la mayoría interpretó que se sentía como un monstruo por no poder tener hijos. Esa fue la escena más apabullada de la película ya que tira por los suelos ese personaje fuerte que vimos en Los Vengadores y Capitán América.



Lamentablemente, el problema con los directivos del Estudio puede reaparecer de nuevo con la DC por más que ahora digan que tendrá toda la libertad, sino recordemos la intromisión de Warner en Suicide Squad. Asimismo, el hecho que la DC ya cuenta con un universo cinematográfico significa que todas sus películas, por más diferentes que se sientan entre sí, tienen necesariamente que tener cierta conexión y de hecho, vamos a tener un cameo de Batman o Nightwing, entonces, cierto grado de intervención va a haber. Sin mencionar la presión por ser la primera vez que Batgirl llegará a la pantalla grande en una película enfocada totalmente en ella.



 La última vez que vimos a Batgirl en el cine fue en el basofio llamado Batman y Robin. 

Otra crítica contra Whedon es que aunque el hombres es feminista, no es una mujer y últimamente hay esta tendencia que si la película es protagonizada por una mujer, tiene que ser dirigido por una mujer, pero aunque exista esta tendencia, la decisión final es del estudio.  No obstante, es justo decir que si hay alguien que puede escribir fenomenales personajes femeninos ese es Whedon y es que como lo dice CBC, "Whedon's own superpower is putting the human into heroes", algo así como enfocarse en el aspecto humano en los héroes. 

#GraceAndFrankie: La complicidad de Fonda y Tomlin

En realidad el único comentario que tengo de la tercera temporada de Grace and Frankie es que ha  sido la mejor temporada de la serie. Esta comedia de Netflix ha intentado balancear su humor con una gran cuota dramática durante dos temporadas y finalmente ha perfeccionado su fórmula. El humor no está en los tramas sino en la dinámica y cuando tienes como protagonista Jane Fonda y Lily Tomlin en realidad no necesitas esforzarte mucho para conseguir momentos tan hilarantes como conmovedores.



La conexión entre las actrices y la amistad entre sus personajes es la base de cada una de las historias, sin embargo, más que explorar la amistad entre ambas, ahora vemos el fortalecimiento del vínculo y una devota complicidad. La razón por la que me gusta Grace y Frankie es que todos tenemos un amigo (a) que es nuestro cómplice en alguna travesura o alguien a quien nos gusta sacar de quicio solo porque sí. Sin tomar en cuenta la edad, Grace y Frankie personifican una amistad con el cual cualquier puede verse identificado. Grace le da estabilidad y seguridad a Frankie mientras que Frankie impulsa ese lado loco de Grace que siempre ha reprimido. En esta temporada, Grace y Frankie buscan desarrollar su negocio después de haber creado “vibrador para mujeres adultas mayores”, un paso coherente considerando que en la segunda temporada estuvo dedicado al sexo después de los 70’s. Obviamente, el hecho que veamos a dos mujeres adultas hablando de masturbación llevó a situaciones muy graciosas por la incomodidad ya que se trata de un tema "tabu".

http://elyalovi.tumblr.com/post/158804777960

Toda la aventura del negocio de Grace y Frankie le puso la cuota jocosa a la temporada y la parte cautivadora fue la reconciliación de Grace con Frankie luego de que se pelearan porque Grace usó su arma en la casa que comparten.

http://elyalovi.tumblr.com/post/158805896305/missdontcare-x-i-was-in-that-big-horrible

 Las estrellas del show son Grace y Frankie así que aunque tenemos otras historias, ninguna es tan geniales como el hecho de ver a dos leyendas compartiendo pantalla, sin embargo, hay que mencionar que Sol tuvo que lidiar con su decisión de retirarse del trabajo y Robert tuvo una pequeña crisis después de salir del closet con su insoportable madre. Pese a que Sol y Robert son la pareja gay en la serie, de una manera infantil Grace y Frankie actúan como si fueran un matrimonio viejo. De todas formas, por medio de Robert podemos ver el daño que le causó vivir una doble vida durante tantos años y el propio conflicto interior que tiene por ser gay debido a sus creencias religiosas. Me gusto que ambos temas hayan tenido una resolución muy satisfactoria. Aunque no soy muy fan del arco de los hijos, espero que no malogren a Brianna intentando "normalizarla", puede tener una relación seria pero vamos, la mujer nunca quiso hijos ni un esposo. Por su parte, todos veíamos venir la separación de Mallory y su ausente esposo Mitch y espero que ahora que Coyote está sobrio algo pueda pasar entre los dos y respecto la novia de Bud, creo que es el mejor complemento del neurótico de Bud. Finalmente, la serie termina con Grace y Frankie en un globo aerostático luego que Grace aconseja a Frankie mudarse con su novio, esto pese a que Grace no puede vivir sin Frankie y viceversa. He reído y he llorado con los 13 episodios de la tercera temporada y realmente espero que Netflix le de otra temporada más y si la calidad se mantiene, les den muchas más...

http://chrisevans.xyz/post/158944458951

lunes, 27 de marzo de 2017

#Ingobernable: Emilia Urquiza > Richard Kimble

Si hay algo que caracteriza a las producciones mexicanas es su alta cuota de melodrama, pero no hablo un melodrama soportable, sino de una completa exageración tanto en el aspecto actoral y en la historia hasta el punto que le resta el realismo y cualquier veracidad que puede tener una serie o novela. Este melodrama mezclado con una onda conspiradora que trata de abordar conflictos sociales reales es lo que convierte a Ingobernable en un placer culposo. 



 El trailer planteaba a Ingobernable como una especie de House of Cards mexicano influenciado por la cruel realidad que vive México y en la propia campaña de publicidad se podía remarcar un paralelismo entre Emilia Urquiza (Kate del Castillo) con Angélica Rivera, actual primera dama. Sin embargo, la serie en sí misma cuenta la historia de Emilia Urquiza, enredada en una situación compleja en la que está acusada de matar a su esposo, el presidente de Diego Nava, y en su huida descubre que el asesinato está relacionado con las desapariciones de 39 personas de un barrio y con una gran conspiración. Antes de morir, el presidente Diego Nava iba a dar un discurso donde anunciaba las medidas radicales que tomaría para lidiar con la situación y en gran parte del mismo, culpa al gobierno norteamericano por la violencia que se vive en México. Esta conspiración muy a lo Scandal, se comienza a desmoronarse a partir del tercer episodio en donde la historia se llena de una absurdidad disfrazada de "casualidad", todo lo malo que puede ocurrir ocurre y todos los clichés que encontramos en las novelas mexicanas también están presentes (la amante, la relación chico pobre-mujer privilegiada, la traición de alguien cercano y el tener a una joven histérica que no entiende razones) 


Cualquier parecido con la realidad solo es para el marketing

 Si hay algo que puedo destacar de la historia es que por lo menos Emilia Urquiza es más hardcore que el fugitivo Richard Kimble e incluso más inteligente pero su escape entra a un terreno más fantasioso cuando ella aparece en la casa de la hermana de su criada Dolores, Chela, justo cuando liberaron a su sobrino, Canek, quienes acceden a ayudarla hasta que un gente del barrio secuestra a Emilia y a su amigo Jaime Bray, evento que termina con la muerte del amigo, sin embargo, pese a esto Emilia se queda con ese grupo porque aparentemente son las únicas personas en el mundo que pueden ayudarla pese a que este grupo cambian de posición cada escena respecto a si ayudarla o no. Este grupo quiere saber sobre las desapariciones de 39 personas que obviamente es parte de la conspiración más grande en donde está involucrado el gobierno mexicano, más precisos el Ejercito lleno de narcos, y el big bad de la serie: "cualquier agencia de los gringos - nunca especifican bien cual de todas es".


Emilia Urquiza > Richard Kimble 

Estaba a punto de tomar en serio a Ingobernable, tan serio como tomo Scandal, hasta que vi a Kate del Castillo tener una especie de diatriba mental al nivel Oliver Atom al momento de decidir si patear el balón o no. Y este recurso es constante en toda la serie... y todas esas escenas solo pueden ser comparadas a las escenas noveleras donde se descubre algo y la cámara poncha a cada uno de los personajes presentes para captar su reacción con una música de tensión de fondo. 

Antes de tomar una decisión voy a pensar sobre toda mi vida, sí, eso suena como una buena idea y no una absoluta manera de perder el tiempo.

 Hay muchas cosas en la serie que en lugar de impresionar implementa causan risa, como poner ese efecto de cámara lenta en ciertos momentos, las reacciones irracionales de la hija de Emilia (tan o más insoportable como Dana Brody), los saltos de humores de todos, las conversaciones en inglés de dos mexicanos que claramente hablan español, y lo más alucinante pasó cuando Emilia salva a sus aliados no sin antes correr entre las explosiones del almacén misma escena de película de acción. Pese a las incongruencias y la falta de lógica en la serie, Ingobernable se basa en los conflictos sociales reales mexicanos; la corrupción en el poder, la pobreza, la injusticia, el daño del narcotráfico, aunque la profundización del tema depende de la concepción que se tenga. 


Ana Vargas West habla inglés... en sus escenas con otro mexicano porque *razones*

 Ahora, para bien o para mal, si hay algo que hace bien México es enganchar así una producción sea absolutamente tonta, que no es el caso de Ingobernable, cuya producción es de muy buena calidad, y aunque la historia pierda fuerza cada nuevo capítulo es inevitable ver los 15 episodios -que en realidad debieron ser simplemente 13 porque hay dos episodios que duran 30 o 35 minutos. Ingobernable es un placer culposo que para colmo termina en un cliffhanger sin contestar varias interrogantes y además, Kate del Castillo está realmente impresionante, así que no me sorprendería si es que Netflix lo renueve para una segunda temporada.


lunes, 20 de marzo de 2017

#IronFist: ¿Un gancho débil o un knock out?

Le llegó el momento al cuarto defender en Netflix. Danny Rand y su historia como Iron Fist es técnicamente la quinta serie de Marvel por lo que había una gran expectativa, sin embargo, después de ver los 13 episodios de la primera temporada, uno se queda con la sensación que pudo ser mejor. ¿En qué acertó, en qué falló y por qué tanta controversia?



 ¿En qué acertó? 
Para comenzar ya estamos acostumbrados a las historias de orígenes de héroes, el protagonista regresa después de su entrenamiento, convertido en algo más, (muy a lo Oliver Queen) a enfrentarse a su primer gran malo. Iron Fist no trata de cambiar el molde archiconocido, vemos el retorno de Danny, su lucha por recuperar su nombre y su enfrentamiento contra su enemigo legendario “La mano” y contra Harold Meachum, quien al final de la serie resulta ser el gran malo de la temporada, lo que realmente no es tan sorprendente siempre tuvo una vibra creapy. 


 Por el look, Harold Meachum parece el papa de Will de Jessica Jones 

 Si bien el propio Finn Jones como Danny Rand por momentos es demasiado estresante por ser “demasiado bueno”, el actor tiene un extraño carisma que lo ayuda para ponerle un humor tierno/incomodo por sus reacciones ante la fría Jery Hogarth (Carrie Anne Moss) y por su coqueteo tibio con Collen Wing (Jessica Henwick). Hablando de Collen, ella fácilmente es una de los mejores aspectos de la serie y muchas veces se roba el show. También hay que mencionar que siempre es una delicia volver a ver a Claire Temple (Rosario Dawson), pero admitamos que la mujer tiene la peor suerte del mundo y a donde va es perseguida por problemas. 


 Claire Temple es el pegamento de Marvel, el personaje que une todas las series para bien 

 Las peleas de Danny Rand se sintieron demasiado coreografiadas e irreales, pese a que se hizo todo tipo de kung fu, sin embargo, las luchas que resultaron visualmente impresionantes fueron la del pasadizo en el rescate a Joy y contra el borrachín, además, de todos los solos de Collen. En ese sentido, la mitología del Iron Fist y de la Mano aportaron otro punto positivo a la serie, aunque no se ahondó totalmente en el tema, pero está bien porque, por lo menos en el caso de la Mano, esa intriga le crea un halo misterioso a esta organización maligna y porque en el caso de Iron Fist, se supone que ese aspecto será explorado en The Defenders. 



 ¿En qué falló? 
 El principal problema de Iron Fist es que no se distingue por sí sola, esto en contraste con el realismo y la oscuridad que tuvo Daredevil en su primera temporada, el thriller psicológico de Jessica Jones y el estilo colorido y rítmico de Luke Cage deja a la serie de Danny Rand como una típica serie de un héroe sin ningún tipo de innovación. 

Cuando te dicen que a tu serie le falta algo

 El guion es torpe y demasiado lento hasta el 1x04 otorgándonos una larga introducción de personajes que recién se ponen interesantes en la recta final. Para colmo, en la prolongación del preludio se olvidaron de mencionar los motivos reales del regreso de Danny Rand a Nueva York y solo es en los últimos capítulos en los que entendemos finalmente el por qué, pero ya pues, esto se debió hacer antes para darle una claridad al espectador. Marvel siempre tiene problema con sus villanos incluso en las series de Netflix; “La Mano”, cuya mística ha saltado en cada una de las series de Marvel, no resultó ser el gran malo de la temporada, sino una simple excusa para que Iron Fist tenga con quien pelear hasta su batalla final contra Harold Meachum y digamos que este plot twist en realidad no sorprendió a nadie. 


El enésimo millonario desaparecido que regresa para cambiar el mundo y es traicionado por sus seres queridos.

Como dije Joy y Ward, los dos únicos amigos de infancia de Danny que ahora controlan su imperio, recién se muestran bidimensionales en los últimos capítulos. Ward incluso podría entrar en la categoría de “Loki” si no fuera porque carece de carisma porque vamos, el saltar de sociópata a psicópata no es ningún mérito. El cliffhanger de la serie deja abierta la posibilidad de que Joy se alíe con Davos, amigo/enemigo de Danny, y con La Mano para tratar de eliminar a Danny y con suerte esa nueva alianza se traerá una historia mucho más conflictiva en el plano emocional/espiritual para Iron Fist. 



 ¿La controversia? 
Como se sabe, la crítica le ha dado con palo a Iron Fist y si uno se pone a leer cada una de las notas, la mayoría de manera tácita o de manera concreta no está de acuerdo con la narrativa del White savior, una tendencia de Hollywood que coloca al hombre blanco como el héroe que sabe más de la cultura asiática que los propios asiáticos. 






 La elección de Finn Jones como Danny Rand no se aleja de los comics, teniendo en cuenta que Danny Rand es caucásico, pero para su mala suerte el actor habló sobre la raza en el twitter y quedó mal parado. A esto hay que agregarle que el actor atribuyó la mala recepción al efecto Trump explicando, “Creo que el mundo ha cambiado mucho desde que rodamos la serie. Estoy haciendo de un superhéroe que es un multimillonario americano y blanco en un momento en el arquetipo del multimillonario americano blanco es el enemigo público número 1, especialmente en Estados Unidos. Rodamos la serie antes de las elecciones Trump, y me resulta muy interesante para ver cómo esa percepción ahora que Trump está en el poder, lo hizo más difícil de raíz para alguien que es blanco y privilegio cuando este arquetipo es el enemigo público número 1.” 


Lo cierto es que la tendencia del White Savior es un arquetipo detestable con el que las minorías están luchando desde hace años y las críticas hacia Hollywood ahora tienen mayor rebote gracias a las redes sociales. ¿Un actor diferente quizás hubiera aminorado las críticas? Quizás, pero el problema con Iron Fist no es solamente el protagonista, es su guión.  En el mundo de las series, Legion ha cambiado el juego mostrando una nueva narrativa no-lineal y colorida demostrando que se puede innovar al momento de contar una historia. Mala suerte para Iron Fist, la serie en realidad no aporta nada nuevo al género aunque tiene puntos débiles y puntos fuertes (Collen y Temple), para ser la quinta producción de Marvel para Netflix se esperaba que fuera un knock out, pero solo logra ser un gancho débil antes de The Defenders. En pocas palabras es como el Age of Ultron de Marvel, la película obligada a ver para conocer los personajes, antes del esperado Civil War que será The Defenders.


http://seriouslyficent.tumblr.com/post/158629431305/iriswestallen-daredevil-jessica-jones-and-luke

sábado, 18 de marzo de 2017

#ThisIsUs: El arte del "plot twist" emocional

This is Us ha sido una de las mejores series de la NBC en mucho tiempo y resulta que todo lo que necesitaba la cadena es una historia simple de una familia común y corriente con una estructura diferente. 



 ¿Qué es lo que hace especial a This is Us? 

 Los dramas familias no pasan de moda, aunque no sean una tendencia, tienen un público fiel porque a quien no le gusta una serie tierna que genere una especie de confort espiritual. De ese modo, Brothers and Sisters y Parenthood lograron tener cinco temporadas solo con la simple premisa del drama familiar y el dialogo sentimental. En el caso de This is Us, además del hecho de que la familia Pearson está conformado por un elenco carismático que facilita la simpatía y empatía por los personajes, tiene un plus adicional; se caracteriza por esos giros imprevisibles hasta el punto que podríamos decir que los guionistas de This is Us han ejecutado una de las enseñanzas del maestro Alfred Hitchcock, mediante el uso giros o "plot twist" simples pero con un gran peso emocional. 



 En una entrevista con François Truffaut, Alfred Hitchcock explica que la diferencia entre el suspenso y la sorpresa es muy simple, básicamente la sorpresa nace cuando no le presentas la información al público y algo imprevisto pasa y el suspenso es cuando das pequeños detalles o guiños al público de que algo va a suceder de modo que puede advertirlo y estar alerta a ese suceso. La publicidad de This Is Us nos vendían la idea de que se trataba de personas extrañas que lo único que tenían en común era que cumplían años el mismo día y en el primero episodio se nos reveló de que en realidad se trataba de una familia. No se trata de un gran giro, pero sí uno que causa una gran sorpresa debido a que enriquece la historia, abre muchas preguntas y el espectador gana un mayor contexto. Si uno vuelve a ver el primer episodio conociendo que se trata de tres hermanos y de la historia de sus padres, encontraremos detalles que ya nos adelantaban esta revelación, solo que el público no sabía que necesitaba buscarlas. 


 Oh, son los tres hermanos. 

 Todas las serie tienen plot twist, algunos no tienen tanto impacto como se esperaba, pero la intención es siempre “cambiar el juego” y en el caso de This is Us no importa si el giro es un poco débil funciona a la perfección. ¿Y por qué se da esto? El hecho que la serie se desarrolla en dos líneas de tiempo, el pasado y el presente, es una excelente excusa para el manejo de la información y This is Us oculta eventos y los revela en momentos claves para causar un mayor impacto por la carga emocional que incrementa el efecto sorpresa o la intriga. 


 No es coincidencia que el mejor giro de This is Us es, a su vez, el mayor misterio de la serie; La muerte de Jack. 

 Milo Ventimiglia como Jack se ha robado el corazón de todos y es que Jack es un gran padre, un amoroso hermoso, y sino fuera por su problema con el alcohol casi parecería que es perfecto. Y como Jack ya nos había cautivado con su historia de amor y con su devoción por sus hijos, nos duele que muera en medio de la adolescencia de sus tres hijos, ya conocemos su final y conocemos las consecuencias de su fallecimiento, como lo dice el creador de This is Us, Dan Foleman, la familia Pearson en el presente se siente rota. 


 Para el creador de la serie, Dan Fogleman, "Cuando estás viendo al piloto, mucho antes de que supieras que Jack quizá no esté en el presente, esta familia siempre se sintió cariñosa y buena, pero rota". 

 This is Us no solo ha renovado nuestra fe en el trama familiar, también nos ha recordado la importancia de un buen giro, uno que no necesariamente es extraordinario por el cambio en la historia sino por la emoción que provoca. En una época donde gracias a las redes sociales estamos expuestos a todo tipo de spoilers, This is Us se mantiene misterioso para nuestro beneficio, para sorprendernos en el momento adecuado.

viernes, 10 de marzo de 2017

La influencia de #Buffy en otras series

Buffy la Cazavampiros, serie creada por Joss Whedon, se estrenó un 10 de marzo de 1997 y se convirtió en un referente en la cultura pop marcando un hito televisivo, hasta el punto que podemos ver la influencia de Buffy en diferentes series… 


"In every generation there is a Chosen One. She alone will stand against the vampires, the demons, and the forces of darkness. She is the Slayer".

Buffy, la cazavampiros humana 
Las series de Shonda Rhimes tienen la característica principal de tener protagonistas complejas. Una tendencia que ahora podemos encontrar en diferentes programas como Jessica Jones y Legends of Tomorrow, y todas las series que tengan como figura principal a una mujer, sin embargo, todo esto comenzó con Buffy. Joss Whedon desafió el trofeo televisivo del héroe masculino al colocar una joven que con solo 16 años que tenía que lidiar con los típicos problemas de una adolescente y con su destino como cazadora de vampiros/demonios. Buffy fue retratada de la manera más humana posible, es decir, nuestra heroína cometía errores, escuchaba más a su corazón que a la razón, y sus batallas no solo eran externas, con demonios y vampiros, sino también internas. En cierto modo los demonios eran una metáfora del problema central del capítulo y a veces los apocalipsis emocionales eran más interesantes que el mismo apocalipsis lleno de criaturas diabólicas.



La banda de Scooby Doo
Quizás el trofeo televisivo más replicado en series de ciencia ficción es que el grupo del héroe el cual por general está compuesto por personajes raros socialmente incomodos pero increíblemente adorables. Veronica Mars, Orphan Black, Teen Wollf, The Flash, Supergirl, Legends of Tomorrow son algunas de las muchas series cuyos elenco están formado por personajes ortodoxos que normalmente no pararían juntos de darles la elección, sin embargo, son las diferencias entre ellos lo que hace la trama más interesante. La banda Scooby Doo de Buffy, conformado en una primera temporada por Buffy, Xander y Willow, le aportó a la serie un humor único que se complementaba a la perfección con el tono de terror, suspenso y drama.


 No te encariñes con nadie 
Si bien ahora el sangriento Juego de Tronos nos ha probado que realmente no nos podemos encariñar con nadie porque podría morir de la manera más devastadora, los que vimos Buffy aprendimos esa lección a la mala. Para comprender más sobre el uso de la muerte en las series de Whedon tenemos que saber que el creador de Buffy es un admirador de Shakespeare y en las obras de Shakespeare, la muerte es un utilizado como recurso para remarcar la tragedia en la trayectoria del héroe, pero también como una cruel causalidad del destino. En ese sentido, la muerte de Angel a manos de Buffy fue un sacrificio personal de la heroína para un bien mayor mientras que la muerte de Tara y Joyce fueron circunstancias extraordinarias que Buffy nunca pudo predecir para evitarlos.

La cazavampiros y el vampiro con alma no solo se trató de una relación "a lo Romeo y Julieta" sino también fue parte del camino hacia la madurez de Buffy.

El síndrome de la lesbiana muerta y a la representación LGBT 
En la cuarta temporada, Willow Rosenberg, la mejor amiga de Buffy, sale del closet al revelar su relación con Tara Maclay. Joss Whedon tuvo que luchar con la WB para permitir la emisión de los besos de la pareja, lo que abrió las puertas a muchas series para colocar un personaje LGTB y explorar las relaciones que podría desarrollar. Sin embargo, como ya hemos mencionado Whedon, fanático de la tragedia shakespereana, luego de una corta separación y aún más breve reconciliación, Tara muere en los brazos de Willow tras ser impactada por una bala. Lamentablemente, esta historia se volvió en una trofeo televisivo conocido como el “síndrome de la lesbiana muerta” en donde una lesbiana muere en la serie para causar algún tipo de impacto a pesar que contradiga la narrativa en la historia. En el 2016, se registró una pandemia de este trofeo comenzando por la muerte de Lexa en The 100 y terminando con la muerte de Root en Person of Interest abriendo un debate sobre este tema particular e impulsando la campaña “LGBT deserve better”. No obstante, vale la pena recalcar que en el caso de Whedon, las muertes de todos los personajes, incluyendo Willow, estaban justificados en la historia mientras que las muertes a la que se refiere este síndrome pasa por el contexto en el que este se da, aunque muchas veces se sienta que matan a las lesbianas solo porque sí.


Los episodios experimentales
Con Buffy, Joss Whedon también rompió esquemas en cuanto a episodios experimentales. Cuentan las malas lenguas que fue un comentario sobre el genial dialogo en Buffy la razón por la cual se animó a hacer un episodio sin diálogo. El trabajo visual y actoral fue esencial en Hush para que la idea funcionara y así fue. Se trata de uno de los mejores capítulos de Buffy y de la televisión. Otros episodios experimentales de Buffy que valen la pena mencionar es The Body, un episodio increíblemente conmovedor donde Buffy tiene que enfrentarse a la peor de sus pesadillas; una vida sin su madre, el archiconocido musical "Once more with feeling", una formula que muchos han intentado imitar sin mucho éxito y "Normal Again", un capítulo que nos hace cuestionar qué es real y cuyo final abierto, hace que toda la serie adquiera un tono mucho más sórdido; ¿acaso todo lo que hemos visto ha sido producto de la imaginación de Buffy y nuestra protagonista simplemente ha estado loca todo este tiempo? Whedon no nos responde y cada uno tiene que darle una interpretación a ese final.



La influencia de Buffy es su legado en las series que le siguieron, especialmente, cuando la gran mayoría de las mismas tiene la misma estructura; un grupo de extraños tratando de salvar el mundo, la heroína imperfecta pero fuerte, temas profundos y controversiales, el humor meta, y obvio, los trofeos televisivos que Buffy perfeccionó y en muchos casos creó. De modo que básicamente podemos decir que hay series antes de Buffy y series después de Buffy.



Pocas series pueden marcar una tendencia y continuar siendo un ejemplo como lo ha hecho Buffy y en ese sentido, un reboot o un remake sería simplemente un despropósito. No habrá otro Buffy en la historia, pero suerte para nosotros, Netflix reconoce la magia especial de Buffy y la tiene en su catalogo, de modo que cualquiera puede volver a ver los capítulos, los cuales, pese a los efectos, se sienten atemporales.

http://cat-tully.tumblr.com/post/158225280932/buffy-the-vampire-slayer-premiered-20-years-ago

domingo, 5 de marzo de 2017

El tragiépico final de #Logan

 Hugh Jackman le ha dado vida a Wolverine desde hace 17 años, ha aparecido en las 9 películas de toda la franquicia, hasta hemos tenido referencias del actor como Wolverine en Deadpool, y ahora con Logan se despide del personaje en una película donde el antihéroe más cool de los X-Men puede ser tan salvaje como vulnerable. 



Logan marcará un hito en la historia de las películas de héroes no tanto por su historia sino por la emotividad que genera el hecho que se trate de la última película de Hugh Jackman como Wolverine. 
La calificación "R" (para mayores de 14 años) le da la libertad de ser violento y seamos sinceros, esta también es una forma de honorar a la brutalidad de Wolverine de los cómics. La historia ya no implica que los X-Men salven el mundo, porque ya no hay X-Men, el mundo ha cambiado, y ahora tenemos a un profesor X viejo y senil y a un Logan en su momento más decadente. En este futuro distópico, Logan es un alcohólico que está cansado y harto de todo, su habilidad de curación ya no funciona como antes, se está muriendo y lo peor es que quiere morirse y la única razón por la que no se quita la vida es porque está cuidando de su único amigo, Charles Xavier.


La evolución de Wolverine 

 ¿Por qué está este desolador panorama? Bueno, las respuestas están en la película pero de una forma muy sutil. Una de las primeras cosas que Charles le dice a Logan es que lo ha decepcionado. Esta frase lleva al espectador a asumir que la ausencia de los X-Men se debe a una tragedia y en lo que sea que pasó, Logan tuvo un rol muy importante y a partir de entonces, las cosas se fueron al carajo. Quizás esto serviría para explicarnos por qué Logan está inmerso en un estado de completa indiferencia, recordando que aunque jamás ha sido de los héroes optimistas, no se trata de un cobarde que se aleja de los problemas, pero en esta película lo único que quiere es pasar desapercibido para reunir suficiente dinero y largarse junto a Charles. Entonces, a mitad de la película, se nos revela que fue uno de los ataques de Charles, producto de una enfermedad degenerativa cerebral, lo que le costó la vida a varios de los X-Men. De modo que el contexto cambia y ahora vemos que lo que une a Logan con Charles no es la responsabilidad sino una lealtad incondicional. 



 La herencia de Logan

 La introducción de Laura, X-23, una niña a la que le hicieron diversos experimentos para convertirla en una arma mutante, es la excusa del filme para explorar la relación de Logan y Charles y de Logan y Laura; en mejores palabras, para explorar la humanidad adormecida de Logan. Para Charles, Laura representa una nueva esperanza para los mutantes y para Logan, Laura representa un peligro, hay gente tras de ella, pero la verdad es que ella le recuerda su pasado, le recuerda cuando era un animal incontrolable, una máquina de destrucción, un ser solitario. El viaje que realizan hacia "Eden" para que Laura pudiera estar a salvo convierte al filme en un clásico road trip film en donde la nobleza de Logan se siente por encima de su latente cinismo, esto gracias a momentos claves con Charles y Laura.



 Los malos de la película no son memorables por sus motivaciones - un cliché que causa muchos problemas en el género -, quieren controlar a los mutantes para convertirlos en armas, sino por la acción; muchas de las secuencias son espectaculares, pero la que más destaca es la batalla final entre X-24, el clon de Wolverine, vs. old men Logan. Bestia vs. X-Men. Incluso simbólicamente hablando, es pelea es como una batalla interna que probablemente se ha dado en la mente de Logan. , porque así no lo haya planeado en su época de X-Men, Charles le dio una familia y en sus últimos momentos, Logan se sacrificó para que su verdadera familia, Laura, pudiera tener un chance de obtener lo que él no obtuvo, no un chance de felicidad, sino una oportunidad de vivir tranquila sin ser perseguida.  Finalmente, para concluir, salí del cine pensando que Logan es el "Manchester by the sea" de los "X-men", una historia sin redención donde el personaje principal "no puede superar" su condición, solo convive con todos sus demonios, y pese a ellos, cumple con su cometido de poner a salvo a Laura pero no intenta luchar contra la cruel realidad de la mortalidad. Lo que más resalta de Logan es su sencillez, se trata de un drama bien armado y más que una película de héroes, es un drama profundo con héroes como protagonistas, una tragedia y es, de una forma conmovedora, el perfecto final para un personaje como Wolverine.

Adiós, Wolverine de Hugh Jackman... nunca te olvidaremos.

miércoles, 1 de marzo de 2017

#Moonlight: El retrato de una homosexualidad reprimida

Por menos de dos minutos, La la Land fue la mejor película del año, no es que no se lo mereciera, pero se trató de un error ocasionado por la confusión de los sobres, la Academia en realidad eligió a Moonlight como la mejor película del año. Si algo bueno podemos sacar de esta bizarra situación es que se le ha dado más publicidad a Moonlight.  Por lo general, La Academia le gusta homenajearse a sí mismo y La La Land es una oda a Hollywood, así que la elección de Moonlight, una película mucho menos optimista y más realista que La la Land, es atípica, pero al mismo modo que La la Land, Moonlight también abraza una esperanza aunque lo haga de manera tácita. 




Moonlight: La historia de Chiron

 Moonlight es un relato sobre la realidad de un niño que en busca de su propia identidad se encuentra con demasiados prejuicios. Acompañamos al protagonista Chiron durante tres décadas y en momentos claves que lo marcaron. De niño, a Chiron le decían Little y sus compañeros le hacían buylling porque era "extraño". Lo que hacía diferente a Little era su homosexualidad, y pese que aunque todavía no estaba consciente de su orientación sexual, ya era marginado por la sociedad e incluso por su propia madre. Little conoce a Juan mientras está ocultándose de una nueva golpiza de sus compañeros y Juan se convierte en un amigo, una suerte de figura paternal quien lo apoya sin cuestionamiento y su juzgarlo, sin embargo, resulta que Juan vende drogas y la madre de Chiron es una de sus clientes. 




 Años más tarde, en su adolescencia Chiron sigue sufriendo del maltrato de sus compañeros de colegios que se burlan de él continuamente y esto hay que añadirle la ausencia de Juan y la adicción que está terminando de consumir a su madre. En esta etapa, el sufrimiento que siente Chiron junto a la gran soledad que lo ampara ahora es mucho más notable. En la playa, el mismo lugar donde tenía sus conversaciones con Juan, Chiron experimenta su primer beso y su primer contacto físico con Kevin, pero ni si quiera este evento le trae una felicidad completa, es más, lo llena de incertidumbre. Lamentablemente, Kevin, impulsado por los abusivos del salón, termina golpeando a Chiron. 



 Ya de adulto, Chiron ahora es "Black", un hombre que se apoya en sus músculos para imponer una imagen de fuerza que inspire respeto y miedo, y aunque la transformación física de Chiron es impresionante, las secuelas de sus traumas infantiles lo siguen persiguiendo. La película termina en el recuentro de Kevin y Black dejando al aire la tensión sexual entre ambos. 



 Lo que hace especial a Moonlight no es el diálogo de los personajes, quienes no dicen mucho en toda la película, lo que hace especial a Moonlight es la interpretación de cada uno de los personajes, especialmente, de los tres actores que hacen de Chiron y es que el protagonista es un tipo reservado que nunca habla de sus sentimientos, pero los expresa en un volumen alto mediante gestos incómodos y movimientos nerviosos. Aunque parezca paradójico, el guion es la clave en esta película pues la falta de conversaciones significativas entre los personajes es a propósito para resaltar la poderosa actuación que por sí sola está llena de carga dramática. El diálogo se habría sobrepuesto ante las escenas que ya lo decían todo. 



 Odio las comparaciones, así que no puedo decir que La la land es mejor que Moonlight o viceversa, solo sé que Moonlight toca fibras muy sensibles de un modo diferente que La la land. Mientras La la land es una oda al arte y alberga la esperanza, Moonlight es de esas películas que cambia el juego desafiando los prototipos de la masculinidad, no se inserta en el debate sobre el racismo y la homosexualidad, solo presenta una historia cruel y conmovedora. Aunque sí debo decir que tanto Moonlight y La la land nos dejan en ascuas al final ya que el de menos quiere un final feliz con la pareja principal junta. 



 La falta del beso en Moonlight 

Es interesante revisar las entrevistas del director Barry Jenkis sobre el por qué no utilizó el recurso del beso como un elipsis de la historia de Chiron teniendo en cuenta que ese momento hubiera sido como la cúspide de la película, el momento donde finalmente, el protagonista, después de tanto sufrimiento, obtiene un poquito de esa felicidad, pero aunque muchos esperaban el beso, este no hubiera estado acorde con la narrativa. 


“But I feel like that wasn’t realistic for this character at this moment. I think that these two men don’t fall into this happily-ever-after relationship, in any way. I don’t think Chiron is now extremely comfortable with his sexuality, and I don’t think he’s ready for even just a night of physical intimacy.” 
 “Siento que no hubiera sido realista para el personaje en este momento. Creo que estos dos hombres no entran en la categoría de una relación “felices para siempre”, en cierta forma. No creo que Chiron está conforme con su sexualidad y no creo que está listo para una noche de intimidad”.

 Y es verdad, en el filme hemos visto a un niño que ha crecido reprimido, nunca ha tenido un break en la vida y por eso Chiron nunca ha podido dejar esa enorme mochila llena de traumas, no ha podido salir de ese ciclo de miseria y nunca se ha permitido ser vulnerable, libre y feliz hasta las últimas escenas donde Kevin le acaricia la cabeza y entonces volvemos a ver a Little en la playa, en ese único lugar que el que además de ser feliz, se sintió seguro, una imagen y una emoción mucho más poderosa que un simple beso.

https://xavierdolans.tumblr.com/post/157859001485/shit-i-cry-so-much-sometimes-i-feel-like-im-gon